라 쿠폴라 프로젝트: 일상적 물건의 아름다움을 축하하는 심포니
Proyecto La cúpula: una sinfonía que celebra la belleza de los objetos cotidianos
Clarin
· 🇦🇷 Buenos Aires, AR
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2026-04-30 02:22
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부에노스아이레스 귀족 가문의 전형적인 주택이 미란다 보슈 갤러리로 처음 개관하며, 라 쿠폴라 프로젝트의 모더니즘 중심의 수집 가능한 디자인 물건들을 선보입니다.
라 쿠폴라는 2020년 아니타 길에 의해 설립된 순회 예술 및 큐레이션 프로젝트로, 역사를 담은 물건들과 협업 작업에서 비롯된 현대 제품들이 함께 공존합니다. 4월 말까지 미란다 보슈 갤러리에서 관람할 수 있는 '경이로움의 형태'라는 전시에서, 경이로움은 휴식과 지지의 표면, 조명 물건, 그리고 특이하게 관상적 기능을 가진 작품들을 엮는 빨간 실입니다.
작품의 선택과 배치에서 역사와 현대성은 거침없이 실행되는 춤의 주인공이며, 그 컬렉션은 비율과 아름다움처럼 불가분의 이항대립이 어떻게 존재하는지 보여줍니다.
음악을 은유로 다시 취하면, 전시의 멜로디는 1950년대와 1970년대 사이에 구성된 현대 패러다임에 속하는 국내외의 램프, 테이블, 의자, 장식 물건들로 이루어져 있습니다. 조화는 한편 시대에 뒤떨어진 물건들을 섞으면서 현대성에 선행하는 작품들과 그것을 계속하는 다른 작품들과 함께 뉘앙스를 제공합니다.
큐레이션 작업에서 아니타 길은 음성(물건)과 침묵(휴지)이 완벽한 리듬감으로 펼쳐지는 박자를 제안합니다. 개념적으로 트렌드 밖에 고정되어 있으며 예술과 디자인을 시간이 일상적 아름다움의 동의어인 차분한 장소로 집을 거주할 수 있게 하는 영구적 상황으로 옹호할 것을 제안합니다. 핵심 단어들은: 현대성, 혁신, 합리적 기하학, 진정한 재료, 그리고 종합입니다.
2015년에 설립되고 예전에는 부에노스아이레스 귀족의 전형적인 가족 주택이었던 미란다 보슈 갤러리는 높은 천장과 밝은 공간을 가지고 있으며, 이번에는 벽에서 일어나지 않는 전시를 처음으로 받는 순결한 무대가 되어, 벽들은 작품에 완전한 주인공 역할을 부여하는 흰 무한대로 기능합니다.
주목할 물건들 중에는 리카르도 블랑코가 1990년대에 디자인한 바우하우스 의자가 있으며, 이는 게리트 리트벨트의 레드 블루 체어(1917)와 마르셀 브로이어의 체스카 의자(1928) 모두와 대화합니다. 블랑코가 그의 동료들과 이루는 이 삼자 대화는 그의 선임자들이 재료의 정직성, 미니멀리즘, 그리고 기능성을 전제로 현대성의 여명에 제시한 개념적 발전을 강화합니다.
의자를 통해 이루어지는 이 오랜 대화에는 스웨덴의 칼 외예르스탐도 참여하며, IKEA를 위한 그의 토비아스 의자(1997)로 폴리카보네이트 사용을 통해 신체를 지지하는 안락의자 부분을 보이지 않게 하면서 캔틸레버 구조를 유지하고 최소한의 표현으로 기능을 만족스럽게 충족하려는 초기 전제를 더욱 심화시키며, 북유럽 디자인에 내재된 경제적 접근성을 더합니다.
아니타는 이 대화를 다시 가져오며 우리를 발걸음을 늦추고, 우리에게 휴식을 취하고 장기적 유대를 형성하도록 하는 물건들, 역사를 가지고 있으면서도 여전히 다른 더 많은 역사의 일부가 될 수 있는 물건들과 관계 맺기로 초대합니다.
조명 장치와 관련하여, 큐레이션은 확산된 빛에서 아름다움을 찾고 어두운 반사광을 친밀함과 우아함의 공간으로 가치 있게 여기는 일본 철학과 관련되어 있습니다. 이러한 사고방식을 나타내기 위해 간접 조명을 제안하는 램프(탁상용, 스탠드, 천장용)를 전시합니다. 알베르토 추르바와 에두아르도 카브레하스는 눈 같은 크리스탈과 유백광 유리로 시를 작업한 아르헨티나 디자이너들이며, 이탈리아인 로돌포 도르도니와 가에타노 시올라리는 기하학적 구조를 통해 그렇게 합니다.
전시에는 1960년대와 1980년대 사이에 매우 생산적이었던 아르헨티나 회사 ILUM의 장치들이 나타나며, 그 발전은 실내와 실외 모두의 가정용 조명 기구 디자인에 중심을 두었습니다. 그 당시 아크릴, 크롬도금 철, 알루미늄, 유백광 유리와 같은 첨단 재료로 작업했으며, 현대성이나 예를 들어 스페이스 에이지 같은 스타일과 같은 글로벌 패러다임을 따랐습니다.
'경이로움의 형태'를 통해 미란다 보슈 갤러리의 모든 모서리는 시간을 초월하고 일상적 물건에서 발견되는 아름다움을 축하하는 세계로의 창문으로 변환됩니다.
작품의 선택과 배치에서 역사와 현대성은 거침없이 실행되는 춤의 주인공이며, 그 컬렉션은 비율과 아름다움처럼 불가분의 이항대립이 어떻게 존재하는지 보여줍니다.
음악을 은유로 다시 취하면, 전시의 멜로디는 1950년대와 1970년대 사이에 구성된 현대 패러다임에 속하는 국내외의 램프, 테이블, 의자, 장식 물건들로 이루어져 있습니다. 조화는 한편 시대에 뒤떨어진 물건들을 섞으면서 현대성에 선행하는 작품들과 그것을 계속하는 다른 작품들과 함께 뉘앙스를 제공합니다.
큐레이션 작업에서 아니타 길은 음성(물건)과 침묵(휴지)이 완벽한 리듬감으로 펼쳐지는 박자를 제안합니다. 개념적으로 트렌드 밖에 고정되어 있으며 예술과 디자인을 시간이 일상적 아름다움의 동의어인 차분한 장소로 집을 거주할 수 있게 하는 영구적 상황으로 옹호할 것을 제안합니다. 핵심 단어들은: 현대성, 혁신, 합리적 기하학, 진정한 재료, 그리고 종합입니다.
2015년에 설립되고 예전에는 부에노스아이레스 귀족의 전형적인 가족 주택이었던 미란다 보슈 갤러리는 높은 천장과 밝은 공간을 가지고 있으며, 이번에는 벽에서 일어나지 않는 전시를 처음으로 받는 순결한 무대가 되어, 벽들은 작품에 완전한 주인공 역할을 부여하는 흰 무한대로 기능합니다.
주목할 물건들 중에는 리카르도 블랑코가 1990년대에 디자인한 바우하우스 의자가 있으며, 이는 게리트 리트벨트의 레드 블루 체어(1917)와 마르셀 브로이어의 체스카 의자(1928) 모두와 대화합니다. 블랑코가 그의 동료들과 이루는 이 삼자 대화는 그의 선임자들이 재료의 정직성, 미니멀리즘, 그리고 기능성을 전제로 현대성의 여명에 제시한 개념적 발전을 강화합니다.
의자를 통해 이루어지는 이 오랜 대화에는 스웨덴의 칼 외예르스탐도 참여하며, IKEA를 위한 그의 토비아스 의자(1997)로 폴리카보네이트 사용을 통해 신체를 지지하는 안락의자 부분을 보이지 않게 하면서 캔틸레버 구조를 유지하고 최소한의 표현으로 기능을 만족스럽게 충족하려는 초기 전제를 더욱 심화시키며, 북유럽 디자인에 내재된 경제적 접근성을 더합니다.
아니타는 이 대화를 다시 가져오며 우리를 발걸음을 늦추고, 우리에게 휴식을 취하고 장기적 유대를 형성하도록 하는 물건들, 역사를 가지고 있으면서도 여전히 다른 더 많은 역사의 일부가 될 수 있는 물건들과 관계 맺기로 초대합니다.
조명 장치와 관련하여, 큐레이션은 확산된 빛에서 아름다움을 찾고 어두운 반사광을 친밀함과 우아함의 공간으로 가치 있게 여기는 일본 철학과 관련되어 있습니다. 이러한 사고방식을 나타내기 위해 간접 조명을 제안하는 램프(탁상용, 스탠드, 천장용)를 전시합니다. 알베르토 추르바와 에두아르도 카브레하스는 눈 같은 크리스탈과 유백광 유리로 시를 작업한 아르헨티나 디자이너들이며, 이탈리아인 로돌포 도르도니와 가에타노 시올라리는 기하학적 구조를 통해 그렇게 합니다.
전시에는 1960년대와 1980년대 사이에 매우 생산적이었던 아르헨티나 회사 ILUM의 장치들이 나타나며, 그 발전은 실내와 실외 모두의 가정용 조명 기구 디자인에 중심을 두었습니다. 그 당시 아크릴, 크롬도금 철, 알루미늄, 유백광 유리와 같은 첨단 재료로 작업했으며, 현대성이나 예를 들어 스페이스 에이지 같은 스타일과 같은 글로벌 패러다임을 따랐습니다.
'경이로움의 형태'를 통해 미란다 보슈 갤러리의 모든 모서리는 시간을 초월하고 일상적 물건에서 발견되는 아름다움을 축하하는 세계로의 창문으로 변환됩니다.
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Una típica casa familiar de la aristocracia porteña debuta como galería para Miranda Bosch con una selección de objetos de diseño coleccionable alrededor del Modernismo del proyecto La cúpula.
La cúpula es un proyecto artístico y curatorial itinerante fundado en 2020 por Anita Gil, en el que objetos con historia conviven con productos actuales que surgen de trabajos colaborativos. En La forma del asombro, la muestra sobre el proyecto que puede visitarse hasta fin de abril en la galería Miranda Bosch, el asombro es el hilo rojo que cose superficies de descanso y apoyo, objetos de iluminación y piezas cuya función es singularmente contemplativa, según explica su curadora.En la selección y disposición de las piezas, la historia y la contemporaneidad son protagonistas de una danza ejecutada sin traspiés, y su acervo da cuenta cómo hay binomios que son indisociables, como la proporción y la belleza.
Retomando la música como metáfora, la melodía de la muestra está compuesta por lámparas, mesas, asientos y objetos de decoración, nacionales e internacionales, pertenecientes al paradigma moderno, que se constituye entre los años 50 y 70. La armonía, por su parte, entremezcla objetos extemporáneos que buscan aportar matices con piezas que se anticipan a la modernidad y otras que la continúan.
En su trabajo curatorial, Anita Gil propone un ritmo en el que sonidos (objetos) y silencios (pausas) se despliegan con una cadencia perfecta. Se ancla conceptualmente por fuera de la tendencia y propone reivindicar al arte y al diseño como situaciones permanentes que permiten habitar el hogar como un lugar de calma, en donde el tiempo es sinónimo de belleza cotidiana. Las palabras clave son: modernidad, innovación, geometría racional, materiales auténticos y síntesis.
La galería Miranda Bosch, que nació en el año 2015 y se emplaza en lo que antiguamente fue una típica casa familiar de la aristocracia porteña, con techos de doble altura y espacios luminosos, en esta ocasión se convierte en un escenario impoluto que recibe por primera vez una exhibición que no sucede en las paredes, sino que estas funcionan como un sinfín blanco que le otorga a las piezas un protagonismo total.
Entre los objetos destacan la silla Bauhaus que Ricardo Blanco diseñó en la década del 90, y que dialoga tanto con la silla Red Blue Chair (1917) de Gerrit Rietveld, como con la Silla Cesca (1928) de Marcel Breuer. Este diálogo tripartito, que entabla Blanco con sus colegas refuerza el desarrollo conceptual que sus predecesores delinearon en los albores de la modernidad al sostener la honestidad material, el minimalismo y la funcionalidad como premisas.
En esta conversación de largo aliento que se hace a través de la silla, también interviene el sueco Carl Öjerstam, con su asiento Tobias (1997) para IKEA, que a través del uso de policarbonato vuelve invisible la parte de la butaca que hace de soporte del cuerpo, manteniendo la estructura cantilever y profundizando aún más esas premisas iniciales que buscan a través de la mínima expresión cumplir satisfactoriamente una función y le suma en este caso la accesibilidad en términos económicos inherente al diseño nordico.
Anita retoma este diálogo y nos invita a desacelerar el paso, a relacionarnos con objetos que nos permiten reposar y generar vínculos a largo plazo, con objetos que vienen con historia y todavía les queda cuerda para formar parte de otras historias más.
En relación a los artefactos de iluminación, la curaduría está relacionada con la filosofía japonesa que encuentra la belleza en las luces difusas, que pone en valor la penumbra como espacio de intimidad y elegancia. Para representar esta manera de pensar exhibe lámparas (de mesa, pie y techo) que proponen una iluminación indirecta. Alberto Churba y Eduardo Cabrejas son diseñadores argentinos que trabajaron con poesía el cristal níveo y el vidrio opalino; mientras que los italianos Rodolfo Dordoni y Gaetano Sciolari, hacen lo propio a través de estructuras geométricas.
Dentro de la muestra aparecen artefactos de la firma ILUM, empresa argentina que fue muy prolífica entre los años 60 y 80, cuyo desarrollo se centró en el diseño de luminarias de uso doméstico, tanto de interior como de exterior. En su momento trabajó con materiales de vanguardia como acrílico, hierro cromado, aluminio y vidrio opalino, siguiendo paradigmas globales como lo fue la modernidad o estilos como el space age, por ejemplo.
Con La forma del asombro, cada rincón de la galería Miranda Bosch se transforma en una ventana a un mundo que trasciende el tiempo y celebra la belleza que se encuentra en los objetos cotidianos.
diseñadora industrial