오스카 아라이즈, 콜론 극장에 자신의 대표작과 함께 복귀

A 60 años de su creación, el coreógrafo repone su versión de La consagración de la primavera, desde el 7 de mayo.Se trata de una pieza clave que atraviesa vida, muerte y renacimiento.

En el programa mixto que el Ballet del Teatro Colón estrena el 7 de mayo está incluida La consagración de la primavera, una obra mayor del coreógrafo Oscar Araiz. En el extenso repertorio de este artista contemporáneo, pleno de notables creaciones, esta obra ocupa un lugar absolutamente singular.

La versión original de la partitura escrita por Igor Stravinsky sobre un libreto escrito por él mismo junto con Nikolai Roerich, había sido concebida como fuente de una coreografía del mítico Vaslav Nijinsky. Su estreno, el 29 de mayo de 1913 en una sala de la ciudad de París, provocó el más grande escándalo teatral del siglo XX y hasta hoy. Varios de los espectadores que estuvieron presentes (el tout Paris mundano, artístico e intelectual), entre ellos, Victoria Ocampo, escribieron crónicas sobre este escándalo: la música y la coreografía fueron objeto de rechazos furibundos o de adhesiones enardecidas por parte del público desde los primeros compases; hubo insultos, peleas a puño y retos a duelo. Una dama increpó a Maurice Ravel, que aplaudía entusiasmado: “¡Sucio judío!”. Ravel, por otra parte, no era judío.

Siete años después, la misma partitura fue la base de una nueva coreografía y luego se multiplicaron las versiones; se calcula que más de cien a lo largo del tiempo.

Por una circunstancia enteramente casual se cumplen ahora 60 años exactos desde que un muy joven Oscar Araiz estrenó su propia coreografía. Había ocurrido en el marco de la Asociación Amigos de la Danza, una organización sin fines de lucro que contaba con un lunes por mes en el Teatro San Martín para presentar obras de coreógrafos de muy diversas estéticas.

–¿Cuándo apareció la música de La consagración de la primavera en su vida?

–No recuerdo cuando la escuché por primera vez; quizás cuando vi la película Fantasía, de Walt Disney, donde aparecía en una de las escenas. Pero la música es un elemento esencial de mi trabajo y sé que La consagración... me impactó fuertemente. Hacía muchos dibujos inspirados en ella; se había transformado en una obsesión y terminó siendo mi entrada a la danza.

–¿De qué manera?

Yo estudiaba pintura y un día, en una clase, entró Elide Locardi (nota: una de las pioneras de la danza moderna argentina), amiga de mi profesora. Esto ocurría en Bahía Blanca. Mi profesora me dijo: “¿Por qué no le mostrás a Elide esos dibujitos que hiciste?”. Ella los miró y me invitó a que probara sus clases de danza; se me abrió así una puerta para siempre.

–¿Cómo surgió el impulso de coreografiar?

–No sabía qué era coreografiar, pero ya había en mí la idea de juego con el espacio y el sonido. No algo conceptual sino la sensación de bailar; después encontré que me gustaba organizar esos movimientos.

–Compuso La consagración... después de crear tres o cuatro primeras piezas. ¿Cómo se produjo esa decisión?

–El anhelo venía desde mucho antes pero no tenía cómo, ni dónde ni con quiénes hacerla. Tuve un grupo independiente a comienzos de los 60 con cerca de 10 bailarines; con ellos creé una obra sobre la Toccata para percusión, de Carlos Chávez. Allí ya estaban los temas de La consagración...; el deseo, el crimen, el sacrificio, el nacimiento, el sexo. Fue como una primera prueba y luego hubo otras músicas que también me sirvieron como pruebas.

–En 1966 la monta para Amigos de la Danza. ¿Con qué bailarines?

–Una mezcla: gente del Colón, bailarines independientes, folclóricos… el que pasara por la calle (se ríe); fueron alrededor de 20, un número que varió en las sucesivas puestas, de acuerdo a la compañía con la que lo estuviera haciendo. Ahora son 20, más una bailarina que aparece solo en el prólogo con una enorme pollera.

–¿La pollera debajo de la cual están los bailarines ocultos?

–Yo había descartado esa pollera después de la primera versión. Pero en 2013 la monté para el Ballet del Sodre de Montevideo y Julio Bocca, que entonces era su director, me pidió que la recuperáramos.

–¿Qué le provocó la propuesta de Julio Bocca de remontar la obra en el Colón esta temporada?

–Hacerla es siempre un regalo para mí, en cualquier circunstancia; pero la orquesta en vivo y el escenario del Colón le dan un toque maravilloso y la alegría es doble.

–La última vez que puso la obra con el Ballet del Colón fue en el año 2002. ¿Encuentra diferencias con la compañía de hoy?

–Hay más apertura, menos prejuicios. Por otra parte, reponer La consagración... involucra un trabajo lento y minucioso. De los ensayos que hicimos en febrero –y que retomamos ahora- tuve una respuesta muy importante en general y de los varones en particular, que tienen un rol especial en la obra.

–El vestuario fue cambiando en las sucesivas puestas, ¿no es cierto?

–En la primera versión era más neutro, más desnudo. Después aparecieron en la ropa formas de venas, cortezas, raíces. En algún momento el vestuario se volvió más concreto, como de personas de la calle. Hubo muchas modificaciones porque en cada compañía con la que la monté hay una visión un poco diferente. La versión del Colón de 2002 fue particular porque el vestuario de Renata Schussheim estuvo inspirado en la cultura de los nativos Selknam de Tierra del Fuego. Ahora eso ya pasó y volví a la calma: ropa muy simple, camisetas y pantalones aunque manchados, sucios, “vividos”. De la puesta de 2002 conservé un toque no realista: pelo y cara embarrados.

–¿Qué encontró usted en La consagración..., en sus elementos simbólicos que existían ya en el libreto original, que permitiera ser contada con la danza?

–Es inútil proponerse “contar” algo con la danza. Sí se puede conducir a una cierta interpretación o a una serie de interpretaciones que tengan algo en común. Pero no son palabras sino sensaciones, como la sensualidad o la violencia. El gran símbolo de La consagración... es la del ciclo de la vida: el nacimiento, la aniquilación para que haya un nuevo nacimiento, y después una nueva aniquilación. El eterno retorno.

–¿Le parece que las numerosísimas versiones coreográficas sobre la partitura de Stravinsky se apoyan en estas mismas ideas?

–Creo que todas se parecen en ese sentido; es el poder de semejante música; una música que late, que palpita, que sangra.

–La suya es una obra colectiva pero de la que se recortan algunos personajes. ¿Podría describirlos?

–La Tierra, que aparece en el prólogo, más que un símbolo, es una imagen en sí misma. Es la Mujer, la que puede crear vida. El Que Nace es quien inicia un ciclo que va a repetirse. Y hay otros dos personajes importantes: el Jefe, como una figura paterna; y la Lider, la que alumbra. Y finalmente La Elegida, que no tiene una simbología pero es la que trasciende. Termina colgada, que es como si hubiera pasado a otra dimensión. Es lindo que todo suceda sin que hagan falta palabras.

–Una pregunta quizás un poco elemental: ¿es esta es creación preferida?

–Sí; representa algo totalmente particular para mí: una pieza musical que me señaló por dónde ir en la vida. Es como una prolongación de mí mismo; o a lo mejor al revés: soy yo la prolongación de ella.

*El Programa Mixto inicia su ciclo de funciones el 7 de mayo y junto con La consagración de la primavera se estrena Aftermath, del coreógrafo argentino radicado en Europa Demis Volpi; y Come in, de la canadiense Aszure Barton. En el Teatro Colón, Libertad 621.

Redactora de la sección Spot / Espectáculos lfalcoff@mailexternos.com.ar