함께 모이다: 사진작가 Neal Slavin이 50년간의 단체 사진 촬영을 통해 말하는 우리 사회에 대하여
Gather together: Photographer Neal Slavin on what 50 years of taking group shots says about us
Euronews
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2026-04-11 16:04
Translated
Neal Slavin의 획기적인 사진 책 "When Two or More Are Gathered Together"는 20세기 미국 사회의 다양한 면모를 드러내며 색상 사용으로 주목할 만하다. 이 책의 50주년을 기념하여 사진작가는 Euronews Culture와의 인터뷰에서 이 책의 지속적인 유산에 대해 이야기했다.
Neal Slavin은 단체 사진의 개척자이다.
이 미국인의 초상화는 색상 사용 역사에서 중요한 거점이며 자신의 모국의 사회 및 정치 구조에 대한 감상적이지 않으면서도 날카로운 시각을 제공한다.
독일의 뒤셀도르프 Kunstpalast는 현재 그의 많은 작품을 특징으로 하는 "Photography and Belonging" 전시회를 개최하고 있으며, 이는 20세기 후반 사회 역학을 이해하기 위한 중요한 기록이 되었다.
올해는 그의 기초적인 연구 "When Two or More Are Gathered Together"의 개정 50주년판 출판을 기념하는 해이며, 이를 기념하여 Slavin은 Euronews Culture와 사진의 과거, 현재, 미래에 대해 이야기했다.
"Two or More Gathered Together"가 1976년에 처음 출판되었을 때 빠르게 초기 컬러 사진의 획기적 작품이 되었다. 원래 개인이 아닌 그룹을 촬영하려는 아이디어로 무엇이 당신을 이끌었는가?
음, 먼저 이렇게 시작하겠습니다. 오해와 착각이 있습니다. 그룹은 개인입니다. 사람들이 단체 사진을 찍으려고 할 때, 심지어 그룹을 촬영하도록 모으는 사진작가들도 그룹의 구성과 형성에만 관심을 가져 그룹에 몇 명의 개인이 있든 간에 그들이 개인이라는 사실을 잊어버립니다.
나는 무엇이 나를 그룹을 촬영하도록 이끌었는지에 대한 답을 정말 가지고 있지 않습니다. 하지만 내가 할 수 있는 말은 약 10년 또는 11년 전에 촬영된 보이 스카우트 부대를 봤을 때 나는 매료되었다는 것입니다. 나는 그 파노라마 사진을 봤을 때 정말 흥미로웠습니다. 내가 본 것은 주로 32명의 소년, 또는 당신이 알다시피, 그 수의 젊은 소년들이었습니다. 내게 가장 먼저 와 닿은 것은 기억이었습니다. 나는 "이것은 환상적이지만, 이 소년들은 지금 어디에 있을까? 그들은 11살 더 많아졌어. 그들에게 무슨 일이 일어났을까?" 라고 말했습니다. 그리고 갑자기 그것이 사진을 메모리로 보는 개념으로 연결되었습니다.
모든 사진은 다른 어떤 매체보다도 그림, 영화, 음악 등 어떤 것이든 기억을 가장 잘 불러일으키고 시간을 계속 재현합니다. 다시 말해, 관객에게 그 경험을 반복해서 재현합니다. 그것이 나를 그룹을 촬영하도록 이끈 것입니다 - 즉, 그것이 나를 그룹 내 개인들을 촬영하도록 이끈 것입니다.
1970년대 초에 컬러 사진은 여전히 미술 세계에서 인정을 얻기 위해 싸우고 있었습니다. 그 사진 순간 내에서 또는 그에 맞서 작업하는 것을 얼마나 의식했습니까?
매우 의식했습니다. 컬러로 사진을 찍을 준비가 된 약 15명 또는 18명의 사진작가가 있었다고 생각합니다. 컬러는 주로 광고의 상업적 수단으로 사용되었지만, 이른바 "진지한" 사진으로는 사용되지 않았습니다. 우리는 이것이 진지한 작업이 아니라고 말한 늙은 세대로부터 많은 비난을 받았습니다.
먼저, 사진이 지속되지 않을 것이라고 했는데 그것은 보존성이 없기 때문이었습니다만, 우리 젊은이들은 그것에 대해 크게 신경 쓰지 않았습니다. 우리는 각 사람의 진술을 환경에 꺼내고 대화를 열기에 더 관심이 있었습니다. 그리고 그 대화는 실제로 설명적인 형태로 색칠되었습니다. 나는 그 시대 거의 모든 사람에게 꽤 대담하게 말할 수 있습니다. 컬러는 우리가 촬영한 사진의 현실에 한 단계를 더하기 위한 답이었습니다. 우리는 흑백이 또한 일종의 아름다운 추상화라는 것을 봤습니다. 우리는 흑백 사진을 정말로 폄하하려고 나가지 않았습니다. 우리가 정말로 하려고 한 것은 색상으로, 실제 색상으로 세상이 어떤 것인지의 의미를 확장하는 것입니다.
내가 총을 많이 쏟고 있는지는 모르겠지만, 나는 경험을 했으며, 아주 초기에 단체 초상화를 촬영하고 있었던 것을 기억합니다. 그것은 실제로 나의 첫 번째 컬러 사진이었는데, 앰뷸런스 부대 자원 운전자들의 단체 초상화였습니다. 그들은 여가 시간에 경주를 하곤 했고 트로피를 얻었습니다. 그들은 당연히 금색, 은색, 동색의 세 가지 색상으로 나왔습니다. 그리고 나는 그 사진을 흑백과 컬러로 우연히 촬영했습니다. 그리고 나는 필름을 개발한 후 접촉 시트를 만든 후, 나는 루페로 그것들을 보고 있었고, 갑자기 정말 중요한 것을 발견했습니다. 흑백의 접촉 시트를 보았을 때, 나는 금색 트로피와 은색 트로피의 차이를 말할 수 없었습니다; 물론, 색상에서는 그것이 평범했습니다. 그래서 나에게 즉시 컬러는 정보이고 정보 없이는 당신이 뭘 가졌습니까?
이것이 사실인지 모르겠지만, 나는 Cartier Bresson이 왜 컬러로 작업하지 않는지 물었을 때 정보가 너무 많다고 말했다고 어딘가에서 읽은 것 같습니다. 금색과 은색 트로피에 대해 알았을 때, 나는 갑자기 정보가 충분하지 않다는 것을 깨달을 수밖에 없었고, 그래서 나는 내가 본 모든 것을 컬러로 촬영하는 것으로 맹렬히 나갔고, 흑백은 나에게서 사라졌습니다. 비록 나는 그것을 비판한 적이 없습니다. 나는 그것이 나쁜 방법이라고 생각한 적이 없습니다. 그것은 아름다운 매체이지만, 나에게는 컬러가 매우 중요했습니다.
당신은 피사체들이 프레임 내에서 자신들을 배열하도록 허용했습니다. 그 과정이 계층, 정체성, 권력에 대해 당신에게 무엇을 드러냈습니까?
대부분의 사람들이 사람 그룹이나 심지어 단일 개인 초상화를 촬영할 때, 그들은 그룹의 성격과 맞지 않을 수 있는 구성으로 사람이나 사람들을 주문합니다. 나는 그것을 즉시 인식합니다, 당신은 사람들을 소시지 래퍼에 맞출 수 없습니다.
그것은 작동하지 않습니다 왜냐하면 당신이 얻는 모든 것은 소시지 래퍼에 있는 사람들이기 때문입니다. 그래서, 제가 하는 것은 환경을 봅니다. 보통, 그것은 대통령이나 이사 또는 그룹의 수장과 함께 이루어지며, 그는 이 특정 장소가 효과적일 수 있다고 생각하기에 편안합니다. 그리고 일단 그것이 확립되면, 나는 그룹에 몇 명이 있을지 알아냅니다. 때가 되면, 나는 보통 무대에 오라고 말합니다.
그리고 나서 그들이 와서 나는 당신이 원하는 곳을 아무데나 가져가세요라고 말합니다. 나는 신경 쓰지 않습니다, 당신이 속한다고 생각하는 곳이 어디든. 소속이 그룹의 현상에서 매우, 매우 중요한 단어가 됩니다. 하지만 공간에서 소속감을 느끼는 개념은 사진 과정의 일부입니다. 그것은 너무 많은 사진작가들이 고려하지 않는 환상적인 미묘함입니다.
그래서 모두가 그들이 있는 곳에서 편안함을 느끼면, 나는 보통 그룹을 조여줄 것이며, 누군가가 보이지 않으면, 나는 말할 것입니다, 당신이 알다시피, 나는 John이 조금 더 가까이 와야 한다고 생각합니다, 또는 무엇이든. 하지만 동시에, 또 다른 것이 작동하고 있습니다.
그림에 들어가고 싶지 않은 사람들이 있지만, 그룹이 누구인지 때문에 그것에 들어갑니다, 그것이 기업 그룹이든 취미 그룹이든, 또는 무엇이든, 직업 그룹이든, 그들은 함께 가고 있습니다만, 그들은 조금 수줍음이 많으므로, 나는 그것을 존중해야 합니다. 그리고 그들의 머리가 조금 돌아가 있으면, 나는 그것을 느끼고 내가 할 수 있는지 봅니다: "앞을 보고 싶으신가요, 아니면 그렇게 유지하고 싶으신가요 또는 무엇이든?" 그리고 내가 그것을 할 때, 30명 또는 40명 또는 100명 또는 무엇이든 사람들로 가득 찬 사진을 만드는 모험은 놀라운 경험입니다.
정신적으로 심리적으로, 나는 군중 속으로 들어가 그들이 나를 조금 더 잘 알게 하고, 그들은 나를 믿고, 그들은 나는 카메라를 향할 것이다 또는 나는 카메라를 향하지 않을 것이다는 게임을 한다. 나는 미소 지을 것이다, 또는 나는 미소 짓지 않을 것입니다. 나는 그들이 적절하다고 느끼는 일을 하도록 그들을 놔둡니다. 나는 수년에 걸쳐 사람들이 다시 한번 할 수 있도록 놔두는 한 가지 현상, 그 단어 개인은 그룹을 구성하는 것을 배웠습니다. 그룹은 그룹을 구성하지 않습니다. 개인이 그룹을 구성합니다.
거의 50년 후, 이 책의 개정 및 확대판을 출판하는 것이 올바른 순간이라고 느낀 이유는 무엇입니까?
50년이 지난 지금 우리는 다른 렌즈를 통해 세상을 봅니다. 여기에 말장난을 하지 않으려고 하지만, 함께 모이는 현상이 왔습니다. 함께 어울리는 것은 감소했습니다. 예를 들어 아침 커피 그룹을 위해 함께 모이는 사람들의 비율은 더 적은 수의 신청자를 받았습니다. 종교는 어려움을 겪었습니다. 종교 그룹은 그들의 교중에서 사람의 손실을 겪었습니다. 하지만 나는 사람들이 사람을 필요로 한다고 믿습니다. 인류는 느껴야 하고, 만져야 하고, 포옹해야 하고, 다른 사람들과의 감정을 밖으로 내야 합니다. 그리고 당신이 사람들에게 기회를 준다면, 그들은 그것을 할 것입니다.
사람들은 그룹에 있고, 촬영되기를 좋아합니다. 문제는 우리가 내가 1972년에 그룹을 촬영하기 시작했을 때와는 매우 다른 시대를 살고 있다는 것입니다. 그 시점에서 우리는 컴퓨터, 개인용 컴퓨터를 가지고 있지 않았으며, 우리는 편재하는 스마트폰을 가지고 있지 않았습니다. 따라서 스크린, 스마트폰, 소셜 미디어 사이에서 사람들은 일종의 함정이라고 부르는 것으로 물러났습니다. 사람들은 더 이상 전화에 응답하지 않습니다. 이메일이나 문자입니다. 나는 어느 날 거리에 서 있었고, 그의 집을 방문한 지 오래된 친구에게 "온라인에서 만나"라고 말하는 아이를 들었습니다. 그리고 그것은 나에게 발생했습니다, 네, 온라인에서 만나, 그게 내가 당신을 볼 곳입니다. 그것은 1972년에 일어나지 않았으므로, 그것이 내가 이 책, 첫 번째 책을 다시 출판하고 싶은 이유 중 하나입니다. 나는 50년 이상 이 장르에서 일했습니다.
나는 여러 권의 책을 출판했으며, 첫 번째는 1972년 "When Two or More are Gathered Together"였습니다. 그것은 정말로 나의 생각이 아니었습니다. 그것은 시간이 된 아이디어였으며, 즉, 우리는 우리가 인간이고 개인이라는 것을 상기받으며, 그리고 당신이 그룹을 가지지 않았다면, 우리는 여전히 그것을 가지고 있지만, 그것들이 더 적습니다. 우리가 가진 것은, 내가 전에 말했듯이, 스크린, 스마트폰, 소셜 미디어입니다. 하지만 대부분의 경우 사람들은 여전히 모여들고, 함께 모이고, 사진을 찍기를 좋아합니다.
스마트폰은 자신이 촬영되었을 때 예전에 일어나던 많은 이야기를 대체했습니다. 무슨 일이 일어났는가는 셀피가 50년 전 새로운 그룹 초상화라는 것입니다. 그래서 그것은 정말로 나 자신이 이 책이 지금 나와야 한다고 결정한 것이 아니었지만, 누군가 그것을 나에게 언급했을 때, 나는 말했습니다: "예, 나는 완전히 동의합니다".
나는 같은 성질의 다른 책들이 있지만, 사람들이 그룹에 있고 무엇을 하든, 그것은 같은 문제입니다. 솔직히 말해서, 나의 절대적인 확신은 만약 우리가 여전히 그룹을 가지지 않았다면, 어떤 사람도 나에게 말할 것이 없으며, 우리는 유령의 행성이 될 것입니다. 그리고 나는 유령의 행성에 살고 싶지 않습니다. 다른 사람도 마찬가지입니다. 따라서 사람들이 어떤 종류의 그룹의 일부라는 것을 상기시킬 시간입니다, 그들이 알든 안 알든, 그들이 그것을 좋아하든 안 하든, 우리는 모두 서로의 일부이며, 한 번 당신이 두 명 또는 세 명 또는 네 명의 사람을 얻으면, 당신은 당신의 그룹인 그룹을 가집니다. 그리고 나는 매우 자세히 보고 있습니다, 왜냐하면 나는 사회적으로 그리고 흥미롭게도, 사람들이 여전히, 행을 중단하는 수의 감소에도 불구하고, 여전히 함께 있기를 좋아하는 방식에 의해 매료되어 있기 때문입니다. 다행스럽게도, 왜냐하면 그것 없이는, 내가 말했듯이, 우리는 유령의 행성이 될 것이기 때문입니다.
미국에서 깊은 정치적, 사회적 분열이 일어나고 있는 시기에 새로운 판이 나오고 있습니다. 1970년대보다 오늘날 이 작업을 다르게 보시나요?
대답하기 어려운 질문입니다. 1970년대보다 오늘날 이를 다르게 봅니까? 아니요, 저는 그렇지 않습니다. 사람들은 근본적으로 같습니다. 우리는 1960년대 미국에서 겪었던 모든 것과 같은 것들에 대해 걱정하고 있습니다, 시민권 운동, 격리 등 등. 인간은 대면 쪽으로 중력을 띤다고 보입니다. 그래서, 우리는 그 때 우리가 있었던 같은 사람입니다.
오늘 렌즈를 통해 보는 것, 1970년대와 반대로, 그것은 같은 사람이지만 차이점은 다릅니다. 우려 사항은 다르지만, 우리는 여전히 같은 권리, 같은 생활 방식, 서로를 보는 방식을 위해 싸우고 있습니다. 차이가 없습니다. 우리 모두는 한 개의 머리, 두 팔, 두 다리를 가지고 있습니다. 우리는 같고, 그것은 바뀌지 않았습니다. 그렇다면 우리가 그때보다 오늘날 어떻게 다르다고 말할 수 있습니까? 원인은 다르지만, 근본에서, 기본 수준에서, 원인은 항상 같습니다. 그것은 개인에 의해 만들어진 원인이며 그룹으로 피어납니다. 나는 그것이 의미가 있는지 모르겠지만, 나는 내가 세상을 보는 렌즈를 제공하려고 노력하고 있습니다.
기념일판에는 2023년만큼 최근에 촬영된 새로운 그룹들이 포함되어 있습니다. 원본 시리즈와 비교하여 현대 그룹을 촬영할 때 가장 놀라운 것은 무엇입니까? 당신은 책에서 Euronews Culture에 대한 10가지 좋아하는 이미지를 선택했습니다. 당신의 선택을 무엇이 안내했습니까?
그들은 다가오는 쇼에서 나왔습니다. 그리고 나는 이미지를 좋아하기 때문에 그들을 승인했습니다. 그래서 정말로 질문은 당신이 함께 살 수 있는 사진을 어떻게 선택하는지입니다? 당신은 사진을 어떻게 좋아합니까? 당신이 그들과 함께 살 수 있습니까? 그리고 그것은 매우 대답하기 어려운 질문이 되기 때문에, 모든 사진은 다릅니다.
그들은 모두 그룹이기 때문에 같아 보일 수 있지만, 나는 내가 매일 나에게 얼마나 많이 전달하는지를 바탕으로 내 사진을 선택한다고 생각합니다. 그 사진에서 멀어진 지 일주일이 지나고 돌아오면, 그리고 그것이 나에게 말을 걸면, 나는 그것을 좋아합니다. 그것이 거짓말을 하고, 생명력이 없으면, 그리고 당신이 그것을 너무 많이 봤기 때문에 모든 것이 사라졌습니다. 그렇다면 그것은 뒤로 물러납니다. 이 질문은 다음을 제기합니다: 미술을 만드는 것의 아름다움은 그것이 결코 끝나지 않는다는 것입니다.
나는 화가이고 사진작가입니다. 회화에서, 모두가 이것을 알고 있습니다. 그림은 결코 완성되지 않습니다. 그것은 날을 위해, 순간을 위해 완성됩니다. 3일 후, 당신은 자신에게 말할 수 있습니다, "모르겠어요, 이 지역에 조금 더 빨간색이 필요하다고 생각해요." 사진도 마찬가지입니다. 그것은 어렵습니다 사진으로 왜냐하면 그것은 이미 만들어진 이미지이기 때문입니다. 당신은 아무것도 할 수 없습니다. 그래서 당신은 사진이 마음에 들지 않으면 스스로를 차고, 당신은 말합니다, 세상이 내가 절대로 그 방식으로 그 사진을 찍은 이유는 무엇입니까? 하지만 그것이 학습 곡선입니다. 그것이 아름다움입니다.
그래서 다음에 당신이 당신의 카메라를 들고 나갈 때, 또는 당신이 어떻게 사진을 찍든, 당신은 갑자기 당신이 이런 방식으로 찍지 말라고 말하는 학습 곡선에 있었다는 것을 알게 됩니다. 다른 방식으로 찍으세요. 멀리 봐. 그룹 안을 봐. 사람 안을 봐. 사람과 대화를 나누세요. 비록 내가 그룹에서 100명을 사진으로 찍고, 나는 전에 말했지만, 나는 아마도 50개의 10분 우정을 만든다고 말하고 싶습니다. 그것은 훌륭합니다. 나는 많은 다양한 사람들에 대해 조금 알게 되고, 그것은 우리 대부분이 우리 좋은 친구들과 함께해도 얻을 수 있는 것보다 더 많습니다.
그래서, 나에게 그룹을 촬영하는 것은 70년대와 다르지 않습니다. 내용이 바뀌었지만, 사람들은, 나에게, 그렇지 않았고, 그것이 나를 사랑하게 하는 것입니다. 이 역학이 존재하지 않았다면, 나는 여전히 이것을 하지 않을 것입니다. 내가 이것을 했다고 말했듯이, 50년 이상, 그리고 그것은 실제로 역학입니다. 나는 그것이 모든 종류의 사람들, 이 행성의 모든 사람들, 백인, 흑인, 당신이 가진 모든 것, 히스패닉에 대한 놀라운 사랑이 필요하다고 생각합니다. 나는 단순히 차이점을 사랑합니다. 하지만 결국 우리는 모두 같고, 그것이 나를 계속하게
이 미국인의 초상화는 색상 사용 역사에서 중요한 거점이며 자신의 모국의 사회 및 정치 구조에 대한 감상적이지 않으면서도 날카로운 시각을 제공한다.
독일의 뒤셀도르프 Kunstpalast는 현재 그의 많은 작품을 특징으로 하는 "Photography and Belonging" 전시회를 개최하고 있으며, 이는 20세기 후반 사회 역학을 이해하기 위한 중요한 기록이 되었다.
올해는 그의 기초적인 연구 "When Two or More Are Gathered Together"의 개정 50주년판 출판을 기념하는 해이며, 이를 기념하여 Slavin은 Euronews Culture와 사진의 과거, 현재, 미래에 대해 이야기했다.
"Two or More Gathered Together"가 1976년에 처음 출판되었을 때 빠르게 초기 컬러 사진의 획기적 작품이 되었다. 원래 개인이 아닌 그룹을 촬영하려는 아이디어로 무엇이 당신을 이끌었는가?
음, 먼저 이렇게 시작하겠습니다. 오해와 착각이 있습니다. 그룹은 개인입니다. 사람들이 단체 사진을 찍으려고 할 때, 심지어 그룹을 촬영하도록 모으는 사진작가들도 그룹의 구성과 형성에만 관심을 가져 그룹에 몇 명의 개인이 있든 간에 그들이 개인이라는 사실을 잊어버립니다.
나는 무엇이 나를 그룹을 촬영하도록 이끌었는지에 대한 답을 정말 가지고 있지 않습니다. 하지만 내가 할 수 있는 말은 약 10년 또는 11년 전에 촬영된 보이 스카우트 부대를 봤을 때 나는 매료되었다는 것입니다. 나는 그 파노라마 사진을 봤을 때 정말 흥미로웠습니다. 내가 본 것은 주로 32명의 소년, 또는 당신이 알다시피, 그 수의 젊은 소년들이었습니다. 내게 가장 먼저 와 닿은 것은 기억이었습니다. 나는 "이것은 환상적이지만, 이 소년들은 지금 어디에 있을까? 그들은 11살 더 많아졌어. 그들에게 무슨 일이 일어났을까?" 라고 말했습니다. 그리고 갑자기 그것이 사진을 메모리로 보는 개념으로 연결되었습니다.
모든 사진은 다른 어떤 매체보다도 그림, 영화, 음악 등 어떤 것이든 기억을 가장 잘 불러일으키고 시간을 계속 재현합니다. 다시 말해, 관객에게 그 경험을 반복해서 재현합니다. 그것이 나를 그룹을 촬영하도록 이끈 것입니다 - 즉, 그것이 나를 그룹 내 개인들을 촬영하도록 이끈 것입니다.
1970년대 초에 컬러 사진은 여전히 미술 세계에서 인정을 얻기 위해 싸우고 있었습니다. 그 사진 순간 내에서 또는 그에 맞서 작업하는 것을 얼마나 의식했습니까?
매우 의식했습니다. 컬러로 사진을 찍을 준비가 된 약 15명 또는 18명의 사진작가가 있었다고 생각합니다. 컬러는 주로 광고의 상업적 수단으로 사용되었지만, 이른바 "진지한" 사진으로는 사용되지 않았습니다. 우리는 이것이 진지한 작업이 아니라고 말한 늙은 세대로부터 많은 비난을 받았습니다.
먼저, 사진이 지속되지 않을 것이라고 했는데 그것은 보존성이 없기 때문이었습니다만, 우리 젊은이들은 그것에 대해 크게 신경 쓰지 않았습니다. 우리는 각 사람의 진술을 환경에 꺼내고 대화를 열기에 더 관심이 있었습니다. 그리고 그 대화는 실제로 설명적인 형태로 색칠되었습니다. 나는 그 시대 거의 모든 사람에게 꽤 대담하게 말할 수 있습니다. 컬러는 우리가 촬영한 사진의 현실에 한 단계를 더하기 위한 답이었습니다. 우리는 흑백이 또한 일종의 아름다운 추상화라는 것을 봤습니다. 우리는 흑백 사진을 정말로 폄하하려고 나가지 않았습니다. 우리가 정말로 하려고 한 것은 색상으로, 실제 색상으로 세상이 어떤 것인지의 의미를 확장하는 것입니다.
내가 총을 많이 쏟고 있는지는 모르겠지만, 나는 경험을 했으며, 아주 초기에 단체 초상화를 촬영하고 있었던 것을 기억합니다. 그것은 실제로 나의 첫 번째 컬러 사진이었는데, 앰뷸런스 부대 자원 운전자들의 단체 초상화였습니다. 그들은 여가 시간에 경주를 하곤 했고 트로피를 얻었습니다. 그들은 당연히 금색, 은색, 동색의 세 가지 색상으로 나왔습니다. 그리고 나는 그 사진을 흑백과 컬러로 우연히 촬영했습니다. 그리고 나는 필름을 개발한 후 접촉 시트를 만든 후, 나는 루페로 그것들을 보고 있었고, 갑자기 정말 중요한 것을 발견했습니다. 흑백의 접촉 시트를 보았을 때, 나는 금색 트로피와 은색 트로피의 차이를 말할 수 없었습니다; 물론, 색상에서는 그것이 평범했습니다. 그래서 나에게 즉시 컬러는 정보이고 정보 없이는 당신이 뭘 가졌습니까?
이것이 사실인지 모르겠지만, 나는 Cartier Bresson이 왜 컬러로 작업하지 않는지 물었을 때 정보가 너무 많다고 말했다고 어딘가에서 읽은 것 같습니다. 금색과 은색 트로피에 대해 알았을 때, 나는 갑자기 정보가 충분하지 않다는 것을 깨달을 수밖에 없었고, 그래서 나는 내가 본 모든 것을 컬러로 촬영하는 것으로 맹렬히 나갔고, 흑백은 나에게서 사라졌습니다. 비록 나는 그것을 비판한 적이 없습니다. 나는 그것이 나쁜 방법이라고 생각한 적이 없습니다. 그것은 아름다운 매체이지만, 나에게는 컬러가 매우 중요했습니다.
당신은 피사체들이 프레임 내에서 자신들을 배열하도록 허용했습니다. 그 과정이 계층, 정체성, 권력에 대해 당신에게 무엇을 드러냈습니까?
대부분의 사람들이 사람 그룹이나 심지어 단일 개인 초상화를 촬영할 때, 그들은 그룹의 성격과 맞지 않을 수 있는 구성으로 사람이나 사람들을 주문합니다. 나는 그것을 즉시 인식합니다, 당신은 사람들을 소시지 래퍼에 맞출 수 없습니다.
그것은 작동하지 않습니다 왜냐하면 당신이 얻는 모든 것은 소시지 래퍼에 있는 사람들이기 때문입니다. 그래서, 제가 하는 것은 환경을 봅니다. 보통, 그것은 대통령이나 이사 또는 그룹의 수장과 함께 이루어지며, 그는 이 특정 장소가 효과적일 수 있다고 생각하기에 편안합니다. 그리고 일단 그것이 확립되면, 나는 그룹에 몇 명이 있을지 알아냅니다. 때가 되면, 나는 보통 무대에 오라고 말합니다.
그리고 나서 그들이 와서 나는 당신이 원하는 곳을 아무데나 가져가세요라고 말합니다. 나는 신경 쓰지 않습니다, 당신이 속한다고 생각하는 곳이 어디든. 소속이 그룹의 현상에서 매우, 매우 중요한 단어가 됩니다. 하지만 공간에서 소속감을 느끼는 개념은 사진 과정의 일부입니다. 그것은 너무 많은 사진작가들이 고려하지 않는 환상적인 미묘함입니다.
그래서 모두가 그들이 있는 곳에서 편안함을 느끼면, 나는 보통 그룹을 조여줄 것이며, 누군가가 보이지 않으면, 나는 말할 것입니다, 당신이 알다시피, 나는 John이 조금 더 가까이 와야 한다고 생각합니다, 또는 무엇이든. 하지만 동시에, 또 다른 것이 작동하고 있습니다.
그림에 들어가고 싶지 않은 사람들이 있지만, 그룹이 누구인지 때문에 그것에 들어갑니다, 그것이 기업 그룹이든 취미 그룹이든, 또는 무엇이든, 직업 그룹이든, 그들은 함께 가고 있습니다만, 그들은 조금 수줍음이 많으므로, 나는 그것을 존중해야 합니다. 그리고 그들의 머리가 조금 돌아가 있으면, 나는 그것을 느끼고 내가 할 수 있는지 봅니다: "앞을 보고 싶으신가요, 아니면 그렇게 유지하고 싶으신가요 또는 무엇이든?" 그리고 내가 그것을 할 때, 30명 또는 40명 또는 100명 또는 무엇이든 사람들로 가득 찬 사진을 만드는 모험은 놀라운 경험입니다.
정신적으로 심리적으로, 나는 군중 속으로 들어가 그들이 나를 조금 더 잘 알게 하고, 그들은 나를 믿고, 그들은 나는 카메라를 향할 것이다 또는 나는 카메라를 향하지 않을 것이다는 게임을 한다. 나는 미소 지을 것이다, 또는 나는 미소 짓지 않을 것입니다. 나는 그들이 적절하다고 느끼는 일을 하도록 그들을 놔둡니다. 나는 수년에 걸쳐 사람들이 다시 한번 할 수 있도록 놔두는 한 가지 현상, 그 단어 개인은 그룹을 구성하는 것을 배웠습니다. 그룹은 그룹을 구성하지 않습니다. 개인이 그룹을 구성합니다.
거의 50년 후, 이 책의 개정 및 확대판을 출판하는 것이 올바른 순간이라고 느낀 이유는 무엇입니까?
50년이 지난 지금 우리는 다른 렌즈를 통해 세상을 봅니다. 여기에 말장난을 하지 않으려고 하지만, 함께 모이는 현상이 왔습니다. 함께 어울리는 것은 감소했습니다. 예를 들어 아침 커피 그룹을 위해 함께 모이는 사람들의 비율은 더 적은 수의 신청자를 받았습니다. 종교는 어려움을 겪었습니다. 종교 그룹은 그들의 교중에서 사람의 손실을 겪었습니다. 하지만 나는 사람들이 사람을 필요로 한다고 믿습니다. 인류는 느껴야 하고, 만져야 하고, 포옹해야 하고, 다른 사람들과의 감정을 밖으로 내야 합니다. 그리고 당신이 사람들에게 기회를 준다면, 그들은 그것을 할 것입니다.
사람들은 그룹에 있고, 촬영되기를 좋아합니다. 문제는 우리가 내가 1972년에 그룹을 촬영하기 시작했을 때와는 매우 다른 시대를 살고 있다는 것입니다. 그 시점에서 우리는 컴퓨터, 개인용 컴퓨터를 가지고 있지 않았으며, 우리는 편재하는 스마트폰을 가지고 있지 않았습니다. 따라서 스크린, 스마트폰, 소셜 미디어 사이에서 사람들은 일종의 함정이라고 부르는 것으로 물러났습니다. 사람들은 더 이상 전화에 응답하지 않습니다. 이메일이나 문자입니다. 나는 어느 날 거리에 서 있었고, 그의 집을 방문한 지 오래된 친구에게 "온라인에서 만나"라고 말하는 아이를 들었습니다. 그리고 그것은 나에게 발생했습니다, 네, 온라인에서 만나, 그게 내가 당신을 볼 곳입니다. 그것은 1972년에 일어나지 않았으므로, 그것이 내가 이 책, 첫 번째 책을 다시 출판하고 싶은 이유 중 하나입니다. 나는 50년 이상 이 장르에서 일했습니다.
나는 여러 권의 책을 출판했으며, 첫 번째는 1972년 "When Two or More are Gathered Together"였습니다. 그것은 정말로 나의 생각이 아니었습니다. 그것은 시간이 된 아이디어였으며, 즉, 우리는 우리가 인간이고 개인이라는 것을 상기받으며, 그리고 당신이 그룹을 가지지 않았다면, 우리는 여전히 그것을 가지고 있지만, 그것들이 더 적습니다. 우리가 가진 것은, 내가 전에 말했듯이, 스크린, 스마트폰, 소셜 미디어입니다. 하지만 대부분의 경우 사람들은 여전히 모여들고, 함께 모이고, 사진을 찍기를 좋아합니다.
스마트폰은 자신이 촬영되었을 때 예전에 일어나던 많은 이야기를 대체했습니다. 무슨 일이 일어났는가는 셀피가 50년 전 새로운 그룹 초상화라는 것입니다. 그래서 그것은 정말로 나 자신이 이 책이 지금 나와야 한다고 결정한 것이 아니었지만, 누군가 그것을 나에게 언급했을 때, 나는 말했습니다: "예, 나는 완전히 동의합니다".
나는 같은 성질의 다른 책들이 있지만, 사람들이 그룹에 있고 무엇을 하든, 그것은 같은 문제입니다. 솔직히 말해서, 나의 절대적인 확신은 만약 우리가 여전히 그룹을 가지지 않았다면, 어떤 사람도 나에게 말할 것이 없으며, 우리는 유령의 행성이 될 것입니다. 그리고 나는 유령의 행성에 살고 싶지 않습니다. 다른 사람도 마찬가지입니다. 따라서 사람들이 어떤 종류의 그룹의 일부라는 것을 상기시킬 시간입니다, 그들이 알든 안 알든, 그들이 그것을 좋아하든 안 하든, 우리는 모두 서로의 일부이며, 한 번 당신이 두 명 또는 세 명 또는 네 명의 사람을 얻으면, 당신은 당신의 그룹인 그룹을 가집니다. 그리고 나는 매우 자세히 보고 있습니다, 왜냐하면 나는 사회적으로 그리고 흥미롭게도, 사람들이 여전히, 행을 중단하는 수의 감소에도 불구하고, 여전히 함께 있기를 좋아하는 방식에 의해 매료되어 있기 때문입니다. 다행스럽게도, 왜냐하면 그것 없이는, 내가 말했듯이, 우리는 유령의 행성이 될 것이기 때문입니다.
미국에서 깊은 정치적, 사회적 분열이 일어나고 있는 시기에 새로운 판이 나오고 있습니다. 1970년대보다 오늘날 이 작업을 다르게 보시나요?
대답하기 어려운 질문입니다. 1970년대보다 오늘날 이를 다르게 봅니까? 아니요, 저는 그렇지 않습니다. 사람들은 근본적으로 같습니다. 우리는 1960년대 미국에서 겪었던 모든 것과 같은 것들에 대해 걱정하고 있습니다, 시민권 운동, 격리 등 등. 인간은 대면 쪽으로 중력을 띤다고 보입니다. 그래서, 우리는 그 때 우리가 있었던 같은 사람입니다.
오늘 렌즈를 통해 보는 것, 1970년대와 반대로, 그것은 같은 사람이지만 차이점은 다릅니다. 우려 사항은 다르지만, 우리는 여전히 같은 권리, 같은 생활 방식, 서로를 보는 방식을 위해 싸우고 있습니다. 차이가 없습니다. 우리 모두는 한 개의 머리, 두 팔, 두 다리를 가지고 있습니다. 우리는 같고, 그것은 바뀌지 않았습니다. 그렇다면 우리가 그때보다 오늘날 어떻게 다르다고 말할 수 있습니까? 원인은 다르지만, 근본에서, 기본 수준에서, 원인은 항상 같습니다. 그것은 개인에 의해 만들어진 원인이며 그룹으로 피어납니다. 나는 그것이 의미가 있는지 모르겠지만, 나는 내가 세상을 보는 렌즈를 제공하려고 노력하고 있습니다.
기념일판에는 2023년만큼 최근에 촬영된 새로운 그룹들이 포함되어 있습니다. 원본 시리즈와 비교하여 현대 그룹을 촬영할 때 가장 놀라운 것은 무엇입니까? 당신은 책에서 Euronews Culture에 대한 10가지 좋아하는 이미지를 선택했습니다. 당신의 선택을 무엇이 안내했습니까?
그들은 다가오는 쇼에서 나왔습니다. 그리고 나는 이미지를 좋아하기 때문에 그들을 승인했습니다. 그래서 정말로 질문은 당신이 함께 살 수 있는 사진을 어떻게 선택하는지입니다? 당신은 사진을 어떻게 좋아합니까? 당신이 그들과 함께 살 수 있습니까? 그리고 그것은 매우 대답하기 어려운 질문이 되기 때문에, 모든 사진은 다릅니다.
그들은 모두 그룹이기 때문에 같아 보일 수 있지만, 나는 내가 매일 나에게 얼마나 많이 전달하는지를 바탕으로 내 사진을 선택한다고 생각합니다. 그 사진에서 멀어진 지 일주일이 지나고 돌아오면, 그리고 그것이 나에게 말을 걸면, 나는 그것을 좋아합니다. 그것이 거짓말을 하고, 생명력이 없으면, 그리고 당신이 그것을 너무 많이 봤기 때문에 모든 것이 사라졌습니다. 그렇다면 그것은 뒤로 물러납니다. 이 질문은 다음을 제기합니다: 미술을 만드는 것의 아름다움은 그것이 결코 끝나지 않는다는 것입니다.
나는 화가이고 사진작가입니다. 회화에서, 모두가 이것을 알고 있습니다. 그림은 결코 완성되지 않습니다. 그것은 날을 위해, 순간을 위해 완성됩니다. 3일 후, 당신은 자신에게 말할 수 있습니다, "모르겠어요, 이 지역에 조금 더 빨간색이 필요하다고 생각해요." 사진도 마찬가지입니다. 그것은 어렵습니다 사진으로 왜냐하면 그것은 이미 만들어진 이미지이기 때문입니다. 당신은 아무것도 할 수 없습니다. 그래서 당신은 사진이 마음에 들지 않으면 스스로를 차고, 당신은 말합니다, 세상이 내가 절대로 그 방식으로 그 사진을 찍은 이유는 무엇입니까? 하지만 그것이 학습 곡선입니다. 그것이 아름다움입니다.
그래서 다음에 당신이 당신의 카메라를 들고 나갈 때, 또는 당신이 어떻게 사진을 찍든, 당신은 갑자기 당신이 이런 방식으로 찍지 말라고 말하는 학습 곡선에 있었다는 것을 알게 됩니다. 다른 방식으로 찍으세요. 멀리 봐. 그룹 안을 봐. 사람 안을 봐. 사람과 대화를 나누세요. 비록 내가 그룹에서 100명을 사진으로 찍고, 나는 전에 말했지만, 나는 아마도 50개의 10분 우정을 만든다고 말하고 싶습니다. 그것은 훌륭합니다. 나는 많은 다양한 사람들에 대해 조금 알게 되고, 그것은 우리 대부분이 우리 좋은 친구들과 함께해도 얻을 수 있는 것보다 더 많습니다.
그래서, 나에게 그룹을 촬영하는 것은 70년대와 다르지 않습니다. 내용이 바뀌었지만, 사람들은, 나에게, 그렇지 않았고, 그것이 나를 사랑하게 하는 것입니다. 이 역학이 존재하지 않았다면, 나는 여전히 이것을 하지 않을 것입니다. 내가 이것을 했다고 말했듯이, 50년 이상, 그리고 그것은 실제로 역학입니다. 나는 그것이 모든 종류의 사람들, 이 행성의 모든 사람들, 백인, 흑인, 당신이 가진 모든 것, 히스패닉에 대한 놀라운 사랑이 필요하다고 생각합니다. 나는 단순히 차이점을 사랑합니다. 하지만 결국 우리는 모두 같고, 그것이 나를 계속하게
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Neal Slavin's landmark photography book "When Two or More Are Gathered Together" reveals the many sides of 20th century American society and is notably for its use of colour. To mark the its 50th anniversary, the photographer spoke to Euronews Culture about the book's enduring legacy.
Neal Slavin is a pioneer in group photography.The American's portraits are an important touchstone in the history of the use of colour and they offer an unsentimental yet incisive view of his native country's social and political structures.
Germany's Kunstpalast in Düsseldorf is currently hosting the exhibition Photography and Belonging that features his much of his work that's become a crucial record for understanding social dynamics in the late 20th century.
This year marks the revised 50th-anniversary edition of his foundational study "When Two or More Are Gathered Together ", and to mark the occasion, Slavin's talked to Euronews Culture about the past, present and future of photography.
When “Two or More Gathered Together” was first published in 1976 it quickly became a landmark in early colour photography. What originally drew you to the idea of photographing groups rather than individuals?
Well, first, let's start this way. There's a misnomer and a mistake. Groups are individuals. And I believe that when people try to do group shots, even photographers who put together a group to be photographed are so concerned with the composition and the formation of the group that they forget that, however many individuals are in that group, they are indeed individuals.
I don't really have an answer for what drew me to photograph groups, except that I will say that I was fascinated when I saw a Boy Scout troop that was photographed about 10 or 11 years prior to my seeing this panoramic picture. I was absolutely intrigued by what I saw. And what I saw mainly was 32 boys, or whatever they, you know, number of young boys there were. The first thing that hit me was memory. I said, " This is fantastic, but where are these boys? Now? They're 11 years older. What happened to them? And suddenly, that plugged into my concept of photography as memory.
All photographs, more than any other medium, be it painting, film, music, anything, photography evokes memory the best and relives time and time and time again. In other words, it relives the experience for the viewer over and over and over again. So that's what got me into photographing groups -i.e, that's what got me into photographing individuals in a group.
In the early 1970s, colour photography was still fighting for recognition in the art world. How conscious were you of working within or against that photographic moment?
Very conscious. I think there were about 15 or 18 photographers who were now ready to jump in and photograph in colour. Colour was used mainly as a commercial vehicle for advertising, but not for quote, unquote, serious photography. We got a lot of guff from the old-timers who told us this wasn't serious work.
First of all, the photographs won't last because they're not archival, but we, as young folks, didn't really care about that too much. We were more concerned with getting each person's statement out into the environment and opening up the dialogue. And the dialogue was indeed coloured as a descriptive form. That was, I think, I could say pretty boldly for pretty much everyone at that time. Colour was the answer to putting one more step into the reality of the photographs we made. We saw that black and white was also a kind of beautiful abstraction. We were not really out to debunk black-and-white photography. What we were really out to do was just extend the meaning of what the world was like in colour, in real colour.
I don't know if I'm jumping the gun, but I've had experiences, and early on, very early on, where I remember photographing a group portrait. It was actually my first colour photograph, a group portrait of ambulance corps volunteer drivers. They used to have races in their spare time and won trophies. They came in three different colours, of course, gold, silver and bronze. And I happened to shoot that picture just quite by accident, in black and white and in colour. And I remember, after I developed the film and made the contact sheets, I was looking at them with a loupe, and I suddenly discovered something really important. When I looked at the contact sheets in black and white, I could not tell the difference between a gold trophy and a silver trophy; of course, in colour, there it was as plain as day. So for me, immediately, I seized upon the moment that colour is information and without information, what have you got?
I don't know if this is true, but I think I read somewhere that Cartier Bresson, when asked why he doesn't work in colour, said that there is too much information. When I found out about the gold and silver trophies, I couldn't help but suddenly realise I didn't have enough information, and so I went headstrong into photographing everything I saw in colour, while black-and-white faded away from me. Although I never criticised it. I never felt it was a bad way to go. It's a beautiful medium, but for me, colour was very important.
You allowed your subjects to arrange themselves within the frame. What did that process reveal to you about hierarchy, identity and power?
When most people photograph a group of people or even a single individual portrait, they order the person or the people around into configurations that may not fit the personality of the group, in this case. I recognise that right off the bat, you can't fit people into sausage wrappers.
It doesn't work because all you get are people in sausage wrappers. So, what I do is I look at the environment. Usually, that's done with the president or the director or the head honcho of a group that he's comfortable with this particular location that I think could work, and once we have that established, I find out how many people are going to be in the group, and when the time comes, I usually just say come on to the set.
And then, they come on and I say, take up any place you want. I don't care, wherever you think you belong. Belonging becomes a very, very important word in the phenomenon of groups. But, the idea of feeling a sense of belonging in a space is very much part of the photographic process. It's a fantastic subtlety that not too many photographers consider.
So once everybody feels comfortable where they are, I will usually tighten up the group, and if somebody is not being seen, I will say, you know, I think John needs to come in a little closer, or whatever. But at the same time, there's another thing operating.
There are some people who don't want to be in the picture, but they're in it because of who the group is, whether it's a corporate group or a hobby group, or whatever, a vocational group, they're going along for the ride, but they're a little shy, so I have to respect that. And if their head is turned a little bit, I have to feel that out and see if I can say: “Would you mind looking forward, or do you want to stay that way or whatever?” And when I do that, the adventure of creating a photograph filled with 30 or 40 or 100, or whatever it is, people are an incredible experience.
Mentally and psychologically, I wade into the crowd so they get to know me a little better, and they trust me, and they play a game of, I'm going to face the camera or I'm not going to face the camera. I'm going to smile, or I'm not going to smile. I let them do anything that they feel it is appropriate. I've learned over the years that one phenomenon of letting people be again, that word individual is what makes up a group. A group does not make up a group. Individuals make up a group.
Nearly 50 years later, why did you feel this was the right moment to publish a revised and expanded edition of the book?
It is 50 years later that we see the world through a different lens. Not to make a pun here, but the moment has come where the phenomenon of gathering together. Hanging out together has diminished. The percentage of people who get together, for instance, for a coffee group in the morning has gotten fewer takers. Religion has suffered. Religious groups have suffered loss of people in their congregations. But I believe that people need people. Humanity needs to feel, to touch, to embrace, to have the emotions out there with other people. And if you give people a chance, they will do it.
People love to be in a group, to be photographed. The problem is we're living in a very different age from when I started photographing groups, in 1972. At that time, we did not have computers, personal computers, and we did not have the ubiquitous smartphone. So between screens, smartphones and social media, people have kind of backed into these, I call them traps. People don't answer the phone anymore. It's an email or text. I was standing in the street one day, and I heard a kid say to his friend, that just came from visiting his house “see you online.” And it just occurred to me, sure, see you online, that's where I'll see you. That didn't happen in 1972, so that's one of the reasons I wanted to republish this book, the first book. I've worked in this genre for over 50 years now.
I published several books, the first one being "When Two or More are Gathered Together" in 1972, it wasn't really my idea. It was an idea whose time had come, and that is, we're reminded that we are humans and individuals, and if you didn't have groups, which we still do, it's just fewer of them. What we have, as I said before, are screens, smartphones and social media. But for the most part, people still love congregating, getting together and taking pictures.
The smartphone has replaced much of the tittering that used to go on when you had yourself photographed. What's happened is that the selfie is the new group portrait, as it were, 50 years ago. And so it wasn't me that really decided this book needs to come out now, although, when somebody mentioned it to me, I said: “Yeah, I fully agree”.
Although I have other books out that are of the same nature, where people are in groups and whatever they're doing, it's the same problem. Quite frankly, my absolute firm belief is that if we didn't have groups which we still do, no matter what anybody tells me, we'd be a planet of ghosts. And I don't want to live on a planet of ghosts. Neither does anyone else. So it's time to remind people that they are part of some kind of group, whether they know it, whether they like it or not, we're all part of each other, and as soon as you get two or three or four people, you have a group that's your group. And I'm watching it very closely, because I'm fascinated sociologically, by the way, people still, regardless of the drop in numbers of, as they say, hanging out, still love to be together. Thank goodness for that, because without that, as I say, we'd be a planet of ghosts.
The new addition arrives at a time of deep political and social division in the United States. Do you see the work differently today than you did in the 1970s?
That's a difficult question to answer. Do I see it differently today than I did in the 1970s? No, I don't. People at their core are the same. We're concerned about all the same things that we had in the 60s in America, the civil rights movements, the segregation and on and on and on. Human beings seem to gravitate towards confrontation. So, we are the same people that we were then.
Looking through the lens today, as opposed to the 1970s, it's the same people, but the differences are different. The concerns are different, but we're still fighting for the same rights, the same ways of living, of seeing each other. There's no difference. We all have one head, two arms, and two legs. We're the same, and that's not changed. So how could you say we're different today than we were then? The causes are different, but at the root, at the base level, the causes are always the same. It's a cause, made by individuals blossoming into groups. I don't know if that makes any sense, but I'm trying to give you the lens that I see the world through.
The Anniversary Edition includes new groups photographed as recently as 2023. What struck you most about photographing contemporary groups compared to those from the original series? You selected 10 favourite images for Euronews Culture from the book. What guided your choices?
They came out of an upcoming show. And I approved them because I like the images. So really, the question has to do with, how you pick the pictures that you can live with? How do you like the pictures? Can you live with them? And that becomes a very difficult question to answer, because every picture is different.
They may look alike because they're all groups, but I think I pick my pictures based on how much they communicate to me on a daily basis. If I go away from that picture for a week and come back, and it talks back to me, then I like it. If it goes, lies there, has no vibrancy, and it's all gone because you've seen it too much. Then it takes a stand backwards. This question poses this: the beauty of making art is that it's never finished.
I'm a painter, and I'm a photographer. In painting, everyone knows this. A painting is never finished. It's finished for the day, for the moment. Three days later, you may say to yourself, “I don't know, I think it needs a little more red in this area.” Photography is the same way. It's difficult with photography because it's an already-made image. You can't do anything. So, you kick yourself if you don't like the picture, and you say, Why in the world did I ever take that picture that way? But that's the learning curve. That's the beauty of it.
So next time when you go out with your camera, or however you photograph, you find that you've suddenly been on a learning curve that says, don't take it this way. Take it another way. Look beyond. Look inside the group. Look inside the person. Have a conversation with the person. I like to say that even though I photograph 100 people in a group, and I said earlier, I wade into the group. I make probably 50 10-minute friendships, and that's fantastic. I get to know a bit about a lot of different people, and that's more than I can say that most of us ever get, even with our good friends.
So, for me, photographing groups is no different from the 70s. The content has changed, but the people, for me, haven't, and that's what I love about it. If this dynamic didn't exist, I wouldn’t still be doing this. I've done this, as I say, for over 50 years, and it's indeed a dynamic. I think what it takes is an incredible love for people of all kinds, all people on this planet, white, black, whatever you have, Hispanic. I just love the differences. But at the end of the day, we're all the same, And that's what keeps me going.
Across your work, there is often humour, but also a quiet association of sociological precision. How do you balance irony with empathy when photographing communities?
I think I answered part of that question when I said, with empathy, when photographing communities: "I just love people." To see somebody, in a situation, with a blue shirt; somebody else in a red shirt; it may sound silly, but I love people watching, and people participation. So, I don't balance anything; I let it all hang out. I think that’s the error, trying to balance it out. That’s a horror show. Because you can't balance it out. People belong to each other, in groups comprised of individuals in red shirts, blue shirts, black shirts, and white shirts. It’s part of our DNA. I can't deny that, and neither can you; that is humanity.
You can only have one form of belonging. You either belong or you don't belong. Don't forget, we humans are very good at ostracising others while welcoming others, and that makes the others the other. Now, if you have ever been in and then out of a group, you will know exactly what I am talking about. The feeling of being in a group is vital. It’s what humans are about. This is not about taking funny or serious pictures of people making up groups. This feeling of belonging to a group is the most vital sociological element of humanity. Just the word humanity is a group force.
About humour in my work, there isn’t always. Unlike some other photographers, I love people, and I love people’s flaws. The way we make mistakes, the way we laugh at ourselves. And those moments are what make my pictures. When people look at some of my pictures, and they see funny things, it's because they laugh with themselves, not at themselves. And that’s the difference, I believe, with different photographers, who do sociological work. I never laugh at anyone; I laugh with people, and we all laugh together. I’m not looking to do derision, I’m not looking to deride or criticise anyone. If there is a funny situation, and we are all in on the joke, terrific. So I just wanted to clear that up.
What do you hope your European audiences, in particular, take away from these images of American society?
I think Europe has always been fascinated by America. That's because America created the great experiment. All men and women are created equal. That wasn’t always the principle that went on in Europe and the rest of the world. America became this petri dish of a way of life that people historically never had. We had and have our problems, we still do, we hope that that country makes it through out troubled times, but, historically, I can't answer what European audiences in particular take away from these images, because I think what these images stand for are not just America or Americans, but the way people behave, talk and communicate with each other. And we are known for a very open discourse in America. And I think that's what fascinates everybody.
I have other books, of all groups. I have a book called "Britons", I am working on a huge project on prayer and meditation in groups; what we look like when we come together to pray. Those pictures would not be the ones that one would find funny, but you will find in those pictures the same elements that you found in 1974, which is the core thread between us all. And that's what is so important. And I think Europeans understand that, and are fascinated with what we do. But I think Europe has come such a long way that I can't criticise any particular country, because I don't want to; they have come a long way. They look less at America as odd because there have been democracies and social forms of government in Europe, so they don't view America the same way they did in the 50s or 60s.
I understand the question very clearly, and there is still a fascination with this country, which is 24000 miles across, and who we are, and the things we do, which a lot of Europeans wouldn't ever think of doing. So, we all have ideas of different sociological configurations, let's call it, and we all learn from them. And somehow I think less of America, but Americans are fascinating to Europeans. As I talk, I realise that the sentence: Europeans are fascinated by Americans rather than America. I get that feeling.
Photography has transformed radically since the 1970s. From analogue processing to digital ubiquity and AI-generated imagery. What, in your view, has been gained, and what has been lost?
I could talk for a whole day about that one. What has been gained, I don't know. The only thing I can see as gained is that if you see something happening, you can pull out your smartphone and document it. Because by the time a photographer gets ready, unless you're a war photographer, where you are always ready, the event can already be over. In the process of all of that, that goes along with what I said earlier, and that is: in a way, it's the dumbing down of the world, you type a sentence, and half is filled in by your computer’s spell checker. Little by little, we are becoming lazy.
We are living a life looking at screens. You and I have known of corporate situations where people work side by side in little booths, and instead of pushing your chair back and asking, “Hey Joe, when are you going for lunch?”, they send an email to Joe, and you have to wait for an answer. This is very troubling. At the same time, the digital world has opened up incredible possibilities that we never thought possible. So, like anything else, it's a balance.
How much AI do you need to benefit your life or to ruin your life? That’s a big one, and I don't have that answer. I’m purely a bystander in this arena. On an equality level, I don't see the difference between digital and analogue photography. Yes, the process is different; we didn't have cameras that could figure out exposures within the camera, as a smartphone can, but we are after the same thing, if you boil it down. If you boil the whole situation down, we are still taking pictures of each other, we are still putting our best foot forward when we are taking a selfie. And we did that in 1927 and 37. So, there really is no difference from a human point of view. The difference is the mechanics. But the problem is, the mechanics are what operate to dumb us down. We are in a situation where we need to be extremely careful not to dumb ourselves down, not to become (here I go again) ghosts on this planet.
How do you see the role of photography today, in an era saturated with images?
The director of photography, before he passed away, John Szarkowski, said, this is back in the 80s, I'm guessing, but he said, “We now have more photographs in the world than we do bricks”. So, what does that say? That says that we never stop wanting to be mirrored by this object, so we can look back.
There is this joke, that I remember, where two grandmothers are walking down the street, and one of them has a pram, a baby carriage, with a baby in it, and the other grandmother looks into the carriage, and says “ oh, what a beautiful baby!” and the other grandmother pushing the carriage says, “if you think she’s cute, you need to see her picture.” So, I think that says so much about photography. What is it? It's a memory, a self-reflection, it's a way of contemplation. I could go on and on in this track, because that's what photography is. And in many ways, it has taken the role of painting. Because that's what painting was trying to do. But photography does it better. That doesn't mean painting is dead, as the artists used to say. Painting is a whole different experience. I know that; I am a painter. And I love painting for many different reasons. Some overlap with photography, some do not.
But we will never lose our need to communicate with each other, and communicate with ourselves by looking at a photograph. Take that away, and you have what? A planet of ghosts.
What materials and tools are you working with in 2026? How has your relationship to the physical photograph changed over time?
I’m working in digital photography, as I can do more digitally than I could with film. But I do love analogue images because they have a different flavour; they are softer, and they relate differently. But working digitally gives me the ability to lock in an image without experimenting with it, getting the same image if I have to make 5 print pictures, all the same. We did that all the time with analogue photography. But, you know, in the final analysis, that's a question, not to be rude, that I have long since passed, that feels irrelevant to me. I don't think about it anymore; I work digitally. I can't remember the last time I worked with film, which I have a great respect for. It's just not what I'm about. I’m about looking at the subject and saying what is this about? How am I communicating with my subject, and how is my subject communicating back to me? That is the essential part of a photographic relationship with your subject, and it never changes. It didn't change in 1972, and it didn't change in 2026.
Do you think group portraits still hold the same cultural weight in an age dominated by the selfie and individual branding?
If you are good at it, yes, it does. With all the selfies going around, it has dulled the eye tremendously. But if you see something that speaks; if you see 500 people in a room, and you can identify all 500 of those people, not by name but by characteristic, “oh that guy has dark hair, oh she’s blond, oh she’s sitting down” etc, they are roadmaps, to a place none of us no to where, but it’s like looking at a roadmap and saying,” now I see that this town is only 5 miles away from that city I thought it would be further” that’s what a group portrait is, it’s a roadmap to humanity.
As you look at it, you realise how one person relates to the one next to them and what about the person 4 people away? Are they looking over at each other, wishing they were with them? It's a goldmine. And that's where the conversation really begins.
Ultimately, what message or question would you like your work to leave with your viewers today?
My work is part sociological, part aesthetic. I couldn’t answer what message I would like the work to leave, because I'm not in control of that. If possible, I would like people to understand that we are all human and relate to each other, which is why we stay in groups. And if I may make a prediction, if the planet lasts, so will the groups. One way or another, we will never forsake each other.
"When Two or More Are Gathered Together" by Neal Slavin is available now from Damiani Books.
Photography and Belonging is now on at Germany's Kunstpalast in Düsseldorf until 25 May 2026.