2026년 쇼몽-쉬르-루아르 미술 시즌: 평온한 피난처에서의 자연, 역사, 현대 미술
Saison d'art à Chaumont-sur-Loire 2026 : nature, histoire et art contemporain dans un havre de paix
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2026-04-11 19:15
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미술 시즌은 현대 창작이 역사와 자연 속에 자리 잡는 거품 같은 공간이다. 레바논 향나무와 소나무가 가장 최신의 작품들을 품고 있으며, 성은 가장 창의적인 화가와 조각가들을 맞이한다.
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미술 시즌은 현대 창작이 역사와 자연 속에 자리 잡는 거품 같은 공간이다. 레바논 향나무와 소나무가 가장 최신의 작품들을 품고 있으며, 성은 가장 창의적인 화가와 조각가들을 맞이한다.
2026년 11월 1일까지 쇼몽-쉬르-루아르 도메인 성의 거실과 주방, 정원과 마구간들이 현대 미술 작품으로 가득 찬다. 12명의 작가들이 이 작은 낙원에 전시한다. 주제는 파랑색이다. 도메인 디렉터이자 미술 시즌 큐레이터인 샹탈 콜뢰-뒤몽은 이 색을 "속도를 늦추고 다르게 보도록 유도하는 색"이라고 정의한다. 아래로는 루아르 강이 풍경을 진정시키고 역사가 이 예술가들에게 영향을 주는 산책길을 따라 둘러본다.
조각가 파스칼 콘베르트는 많은 해 동안 수많은 작품으로 쇼몽을 채워왔다. 그의 유리 속에 탄화되고 결정화된 책의 도서관은 1957년 화재로 파괴된 브로글리 가족의 도서관 자리에 설치되어 있다. 지하층에는 제1차 세계대전의 끔찍함의 기억이 된 그의 베르됭 나무 그루터기들도 깊은 검은색으로 타오르고 잉크로 물들어 있다. 이번 시즌 탑에서 파스칼 콘베르트는 역사의 증인으로 다이앙 드 푸아티에를 그려낸다. 1559년, 남편 앙리 2세 왕의 죽음으로 카트린 드 메디시스는 쇼몽-쉬르-루아르 성을 그녀의 큰 라이벌 다이앙 드 푸아티에에게 셰농소 성과 맞바꾼다. 과거가 현재를 밝히면서, 파스칼 콘베르트는 우리에게 말한다: "우리가 세상의 재앙들, 전쟁의 재앙들에 눈이 멀지는 않지만, 살아있는 것 쪽으로 가야 한다. 여기는 그것을 가능하게 하는 장소이다. 어쨌든 다이앙 드 푸아티에와 카트린 드 메디시스를 보면, 그들은 이 벽들에 흔적을 남긴 정말 대단한 인물들이다."
광택 청동 종과 말 꼬리 털로, 그는 사냥꾼 다이앙의 이야기를 한다. 그는 성의 지하층에 예배당을 만들고 이상한 전설을 상기시킨다. 그녀는 영원한 젊음을 바라며 매일 금을 마셨다. 죽을 때, 그녀의 긴 머리는 평균의 500배에 달하는 금의 농도를 가지고 있었다. 사냥 중에 말에서 떨어진 낙마가 치명적이었는지, 아니면 금이 그녀의 신체에 작용했는지는 영원히 알 수 없을 것이다. 믿음과 불멸은 항상 잘 어울리는 두 단어이다... 때로는 최악의 경우도 있지만.
파스칼 콘베르트는 프랑스인포 문화 앞에서 그의 작품 앞에서 선언한다: "여기에는 유령들이 있다. 하지만 또한 부활이 있다. 정확히. 이것이 내가 찾는 것이다, 부활. 새로운 삶이 있다. 종, 말, 너무 많은 금, 그리고 영원함 사이의 이 작품으로, 그것은 마치 별자리의 형태인 것 같다."
멀리서 보인다. 그것은 옛 마구간의 맨 뒤에 우뚝 서 있다. 파스칼 사바테는 이 우아하고 연약하면서도 감시하는 실루엣에 도달하기 위한 그의 제조 비결과 이상한 물질을 만들기 위해 우리에게 비밀을 공개한다: "이것은 로마 시멘트와 유사한 혼합물이다, 즉 석회와 화산재인 포졸라나의 혼합물이다. 이것은 오베르뉴에서 나오며 시멘트처럼 경화되고 시간이 지남에 따라 매우 내구성이 있는 혼합물이다. 우리는 여전히 제자리에 있는 로마 시대 건물들이 2000년 동안 있다. 나는 로마 시멘트의 정확한 공식을 가지고 있지 않다고 생각한다 왜냐하면 그것은 여전히 미스터리이기 때문이다". 사바테의 부엉이가 이 수명을 누리기를 바라는 것만큼이나.
방문객이 조각상 주위를 돌아다니고, 지붕 아래에서 짹짹거리는 새들의 소리로 거의 산책하면서 위에 그려지는 큰 나무들을 보기까지 시간이 걸릴 것이다. 그리고 제자리에서 그의 부엉이를 조각하기 위해 일한 사바테의 접근 방식을 이해하기 위해, 그는 이렇게 요약한다: "여기서는 실패할 수 없다. 자연, 정원, 그리고 우리를 동반하는 큰 나무들이 있다. 그들은 아름답고 우리를 다른 시간과 연결한다."
나무들, 항상 나무들이 공원에서 영감을 준다. 조각상은 레질리엔티아라고 불린다: 타버린 것처럼 보이는 레드우드 나무 그루터기와 정상에 박힌 청동 도끼이다; 놀랍게도, 도끼의 손잡이는 황금 잎이 있는 가지로 다시 변한다. 이것은 겡 베르톨롱이 격리 이후로 계속해온 작업의 새로운 버전이다. 그는 당시 페페레뉴스 매거진에 말했다: "우리는 자연이 다시 살아나는 것을 봤고, 우리는 동물들이 돌아오는 것을 봤다". 산업 혁명 이후 자연의 지배와 파괴가 조각가를 괴롭히지만 그는 파괴적인 도끼의 손잡이의 이 꽃 피는 싹에서 회복력의 개념을 보고 싶어한다.
주변 모든 곳에, 공원의 영속적인 작품들이 두드러진다. 큰 나무들에 숨겨진 에바 조스핑의 "광기" 동굴, 아이들을 위협하는 바르셀로의 삼키는 입, 페노네의 나무 줄기를 감싸는 청동 손, 또는 가나 출신 엘 아나츠이의 수직 보트들. 총 30개 이상의 작품이 공원을 미술 정원으로 변모시킨다.
에비 켈러는 독일인이고 매터-루미에르라고 불리는 6개의 매우 큰 형식으로, 파란색이 폭발한다. 그녀는 쓴다: "이것은 별이 가득한 밤의 불타는 태양의 푸른 금이고, 우리를 우주의 첫 순간과 연결한다". 시원하고 봄 같은 아그네스 바르다 갤러리에서, 이 220cm by 190cm 캔버스는 관찰자를 흡수한다. 이 파란색으로 사로잡혀, 거의 포로가 되어, 시선은 벗어날 수 없다. 역설적으로 플라스틱, 그 옛날의 진보의 파생물은 오늘날 오염이 되고, 그것의 지지체이다. "예술가는 특히 안료, 미네랄, 식물, 재, 잉크, 바니시를 투명한 필름의 얇은 층들에 연결하고 그려서 칠하고 새기고 긁고 지우고 조각하며 때로는 그들을 태우고, 햇빛, 비, 바람에 노출시키거나 흙으로 덮는다", 그것은 그녀의 갤러리 장 부셰르 재거 사이트에 쓰여 있다.
다른 파란색, 다른 장소. 성의 높은 갤러리에서, 마르크 데그랑샹은 1990년대 중반부터 지금까지 다양한 작품들을 모았다. 화가는 풍경 표현의 상습범이다. 구상적도 추상적도 아니고 그가 처음 쇼몽에 왔을 때, 그는 성의 높은 곳에서의 파노라마의 경쟁을 빨리 느꼈다.
그는 유머와 겸손으로 선언한다: "우리가 있는 방들의 창들을 통해 본다면, 우리는 루아르가 펼쳐지는 것을 보고 이것은 매우 매우 매력적인 것이다. 그리고 그림들, 그림들은 정확히 신비와 공명에 들어갈 수 있는 상태에 있다. 이 장소의 아름다움의 신비."
그는 나무들이 그를 영감 주었다고 계속한다: "나는 압도당하지 않았다, 나는 오히려 내가 본 것, 특히 공원의 자연 조각 같은 나무들로 자극 받았다. 매우 큰 나무들은 공간에 펼쳐지는 줄기들이 있고 시각적으로 극도로 자극적이다."
방문객은 작은 계단으로 건초 창고의 낮은 갤러리로 들어간다. 방은 어두우며 큰 형식들이 신중하게 조명되어 어두움 속에서 두드러진다. 아스트리드 드 라 포레는 몇 달 전 쇼몽에 왔다. 그녀는 피할 수 없는 나무들을 그렸을 뿐만 아니라 새들도 그렸다. 성의 그녀 방에서 한 밤, 그녀는 꿈을 봤다: "나는 동시에 나무와 새로 변신했다". 그렇게 그녀의 시리즈 "새들도 꿈을 본다"가 탄생한다.
섬세한 판화, 전문가들을 위한 카보란덤. 단단하고 땅에 뿌리내린 나무들의 실루엣들은 새들의 비행의 풍경이다. 그녀의 영감은 단어, 작가, 그리고 책에서 나온다. 아스트리드 드 라 포레는 그녀의 전시회 카탈로그에서 꿈을 위해 프로이드를, 여성 해방을 위해 시몬 드 보봐르를 인용하고, 버지니아 울프의 아름다운 표현을 인용한다: 그녀를 위해, 숲과 자연은 "그녀의 방"이다.
농장 마당을 지나고 항상 침묵 속에서 아나이스 르리에브르의 알투스/스트라투스를 감탄한다. 바닥은 그녀의 그림으로 덮여 있다. 이 카펫 위를 걸으면서, 방문객은 용암 밭, 으깬 조개껍질, 유적지 또는 고대 벽의 세부 사항 사이에서 주저한다. 이 몰입형 그림에서, 규모가 사라졌다. 방 중앙에는 적색 사암과 법랑질의 조각상, 검은색과 흰색 도자기가 있다. 아나이스 르리에브르의 경우, 도자기는 아이슬란드 여행에서 나왔다. 그리고 이 글로크 21, 그것이 그것의 제목이고, 화산 분출에 의해 투사되었으며 이후 다시 그려지고, 조각되고, 리모주 에나드의 가마에 구워진 것처럼 보인다, 또한 예술가에 의해 섬세하게.
놓치지 말 것, 클라우디오 파르미지아니와 그의 인상적인 탄화된 도서관의 흔적들, 거대한 조각가 유제네 도드뉴와 그의 강력한 목탄화, 그리고 안토니오 크레스포 포익스의 섬세한 레베다데 고치들.
쇼몽-쉬르-루아르 도메인 미술과 자연 센터. 2026년 미술 시즌 2026년 11월 1일까지
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미술 시즌은 현대 창작이 역사와 자연 속에 자리 잡는 거품 같은 공간이다. 레바논 향나무와 소나무가 가장 최신의 작품들을 품고 있으며, 성은 가장 창의적인 화가와 조각가들을 맞이한다.
2026년 11월 1일까지 쇼몽-쉬르-루아르 도메인 성의 거실과 주방, 정원과 마구간들이 현대 미술 작품으로 가득 찬다. 12명의 작가들이 이 작은 낙원에 전시한다. 주제는 파랑색이다. 도메인 디렉터이자 미술 시즌 큐레이터인 샹탈 콜뢰-뒤몽은 이 색을 "속도를 늦추고 다르게 보도록 유도하는 색"이라고 정의한다. 아래로는 루아르 강이 풍경을 진정시키고 역사가 이 예술가들에게 영향을 주는 산책길을 따라 둘러본다.
조각가 파스칼 콘베르트는 많은 해 동안 수많은 작품으로 쇼몽을 채워왔다. 그의 유리 속에 탄화되고 결정화된 책의 도서관은 1957년 화재로 파괴된 브로글리 가족의 도서관 자리에 설치되어 있다. 지하층에는 제1차 세계대전의 끔찍함의 기억이 된 그의 베르됭 나무 그루터기들도 깊은 검은색으로 타오르고 잉크로 물들어 있다. 이번 시즌 탑에서 파스칼 콘베르트는 역사의 증인으로 다이앙 드 푸아티에를 그려낸다. 1559년, 남편 앙리 2세 왕의 죽음으로 카트린 드 메디시스는 쇼몽-쉬르-루아르 성을 그녀의 큰 라이벌 다이앙 드 푸아티에에게 셰농소 성과 맞바꾼다. 과거가 현재를 밝히면서, 파스칼 콘베르트는 우리에게 말한다: "우리가 세상의 재앙들, 전쟁의 재앙들에 눈이 멀지는 않지만, 살아있는 것 쪽으로 가야 한다. 여기는 그것을 가능하게 하는 장소이다. 어쨌든 다이앙 드 푸아티에와 카트린 드 메디시스를 보면, 그들은 이 벽들에 흔적을 남긴 정말 대단한 인물들이다."
광택 청동 종과 말 꼬리 털로, 그는 사냥꾼 다이앙의 이야기를 한다. 그는 성의 지하층에 예배당을 만들고 이상한 전설을 상기시킨다. 그녀는 영원한 젊음을 바라며 매일 금을 마셨다. 죽을 때, 그녀의 긴 머리는 평균의 500배에 달하는 금의 농도를 가지고 있었다. 사냥 중에 말에서 떨어진 낙마가 치명적이었는지, 아니면 금이 그녀의 신체에 작용했는지는 영원히 알 수 없을 것이다. 믿음과 불멸은 항상 잘 어울리는 두 단어이다... 때로는 최악의 경우도 있지만.
파스칼 콘베르트는 프랑스인포 문화 앞에서 그의 작품 앞에서 선언한다: "여기에는 유령들이 있다. 하지만 또한 부활이 있다. 정확히. 이것이 내가 찾는 것이다, 부활. 새로운 삶이 있다. 종, 말, 너무 많은 금, 그리고 영원함 사이의 이 작품으로, 그것은 마치 별자리의 형태인 것 같다."
멀리서 보인다. 그것은 옛 마구간의 맨 뒤에 우뚝 서 있다. 파스칼 사바테는 이 우아하고 연약하면서도 감시하는 실루엣에 도달하기 위한 그의 제조 비결과 이상한 물질을 만들기 위해 우리에게 비밀을 공개한다: "이것은 로마 시멘트와 유사한 혼합물이다, 즉 석회와 화산재인 포졸라나의 혼합물이다. 이것은 오베르뉴에서 나오며 시멘트처럼 경화되고 시간이 지남에 따라 매우 내구성이 있는 혼합물이다. 우리는 여전히 제자리에 있는 로마 시대 건물들이 2000년 동안 있다. 나는 로마 시멘트의 정확한 공식을 가지고 있지 않다고 생각한다 왜냐하면 그것은 여전히 미스터리이기 때문이다". 사바테의 부엉이가 이 수명을 누리기를 바라는 것만큼이나.
방문객이 조각상 주위를 돌아다니고, 지붕 아래에서 짹짹거리는 새들의 소리로 거의 산책하면서 위에 그려지는 큰 나무들을 보기까지 시간이 걸릴 것이다. 그리고 제자리에서 그의 부엉이를 조각하기 위해 일한 사바테의 접근 방식을 이해하기 위해, 그는 이렇게 요약한다: "여기서는 실패할 수 없다. 자연, 정원, 그리고 우리를 동반하는 큰 나무들이 있다. 그들은 아름답고 우리를 다른 시간과 연결한다."
나무들, 항상 나무들이 공원에서 영감을 준다. 조각상은 레질리엔티아라고 불린다: 타버린 것처럼 보이는 레드우드 나무 그루터기와 정상에 박힌 청동 도끼이다; 놀랍게도, 도끼의 손잡이는 황금 잎이 있는 가지로 다시 변한다. 이것은 겡 베르톨롱이 격리 이후로 계속해온 작업의 새로운 버전이다. 그는 당시 페페레뉴스 매거진에 말했다: "우리는 자연이 다시 살아나는 것을 봤고, 우리는 동물들이 돌아오는 것을 봤다". 산업 혁명 이후 자연의 지배와 파괴가 조각가를 괴롭히지만 그는 파괴적인 도끼의 손잡이의 이 꽃 피는 싹에서 회복력의 개념을 보고 싶어한다.
주변 모든 곳에, 공원의 영속적인 작품들이 두드러진다. 큰 나무들에 숨겨진 에바 조스핑의 "광기" 동굴, 아이들을 위협하는 바르셀로의 삼키는 입, 페노네의 나무 줄기를 감싸는 청동 손, 또는 가나 출신 엘 아나츠이의 수직 보트들. 총 30개 이상의 작품이 공원을 미술 정원으로 변모시킨다.
에비 켈러는 독일인이고 매터-루미에르라고 불리는 6개의 매우 큰 형식으로, 파란색이 폭발한다. 그녀는 쓴다: "이것은 별이 가득한 밤의 불타는 태양의 푸른 금이고, 우리를 우주의 첫 순간과 연결한다". 시원하고 봄 같은 아그네스 바르다 갤러리에서, 이 220cm by 190cm 캔버스는 관찰자를 흡수한다. 이 파란색으로 사로잡혀, 거의 포로가 되어, 시선은 벗어날 수 없다. 역설적으로 플라스틱, 그 옛날의 진보의 파생물은 오늘날 오염이 되고, 그것의 지지체이다. "예술가는 특히 안료, 미네랄, 식물, 재, 잉크, 바니시를 투명한 필름의 얇은 층들에 연결하고 그려서 칠하고 새기고 긁고 지우고 조각하며 때로는 그들을 태우고, 햇빛, 비, 바람에 노출시키거나 흙으로 덮는다", 그것은 그녀의 갤러리 장 부셰르 재거 사이트에 쓰여 있다.
다른 파란색, 다른 장소. 성의 높은 갤러리에서, 마르크 데그랑샹은 1990년대 중반부터 지금까지 다양한 작품들을 모았다. 화가는 풍경 표현의 상습범이다. 구상적도 추상적도 아니고 그가 처음 쇼몽에 왔을 때, 그는 성의 높은 곳에서의 파노라마의 경쟁을 빨리 느꼈다.
그는 유머와 겸손으로 선언한다: "우리가 있는 방들의 창들을 통해 본다면, 우리는 루아르가 펼쳐지는 것을 보고 이것은 매우 매우 매력적인 것이다. 그리고 그림들, 그림들은 정확히 신비와 공명에 들어갈 수 있는 상태에 있다. 이 장소의 아름다움의 신비."
그는 나무들이 그를 영감 주었다고 계속한다: "나는 압도당하지 않았다, 나는 오히려 내가 본 것, 특히 공원의 자연 조각 같은 나무들로 자극 받았다. 매우 큰 나무들은 공간에 펼쳐지는 줄기들이 있고 시각적으로 극도로 자극적이다."
방문객은 작은 계단으로 건초 창고의 낮은 갤러리로 들어간다. 방은 어두우며 큰 형식들이 신중하게 조명되어 어두움 속에서 두드러진다. 아스트리드 드 라 포레는 몇 달 전 쇼몽에 왔다. 그녀는 피할 수 없는 나무들을 그렸을 뿐만 아니라 새들도 그렸다. 성의 그녀 방에서 한 밤, 그녀는 꿈을 봤다: "나는 동시에 나무와 새로 변신했다". 그렇게 그녀의 시리즈 "새들도 꿈을 본다"가 탄생한다.
섬세한 판화, 전문가들을 위한 카보란덤. 단단하고 땅에 뿌리내린 나무들의 실루엣들은 새들의 비행의 풍경이다. 그녀의 영감은 단어, 작가, 그리고 책에서 나온다. 아스트리드 드 라 포레는 그녀의 전시회 카탈로그에서 꿈을 위해 프로이드를, 여성 해방을 위해 시몬 드 보봐르를 인용하고, 버지니아 울프의 아름다운 표현을 인용한다: 그녀를 위해, 숲과 자연은 "그녀의 방"이다.
농장 마당을 지나고 항상 침묵 속에서 아나이스 르리에브르의 알투스/스트라투스를 감탄한다. 바닥은 그녀의 그림으로 덮여 있다. 이 카펫 위를 걸으면서, 방문객은 용암 밭, 으깬 조개껍질, 유적지 또는 고대 벽의 세부 사항 사이에서 주저한다. 이 몰입형 그림에서, 규모가 사라졌다. 방 중앙에는 적색 사암과 법랑질의 조각상, 검은색과 흰색 도자기가 있다. 아나이스 르리에브르의 경우, 도자기는 아이슬란드 여행에서 나왔다. 그리고 이 글로크 21, 그것이 그것의 제목이고, 화산 분출에 의해 투사되었으며 이후 다시 그려지고, 조각되고, 리모주 에나드의 가마에 구워진 것처럼 보인다, 또한 예술가에 의해 섬세하게.
놓치지 말 것, 클라우디오 파르미지아니와 그의 인상적인 탄화된 도서관의 흔적들, 거대한 조각가 유제네 도드뉴와 그의 강력한 목탄화, 그리고 안토니오 크레스포 포익스의 섬세한 레베다데 고치들.
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La Saison d'art est une bulle où la création contemporaine s'installe dans l'histoire et la nature. Les vieux cèdres du Liban ou les pins abritent les œuvres les plus actuelles et le château accueille les peintres et sculpteurs les plus créatifs.
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La Saison d'art est une bulle où la création contemporaine s'installe dans l'histoire et la nature. Les vieux cèdres du Liban ou les pins abritent les œuvres les plus actuelles et le château accueille les peintres et sculpteurs les plus créatifs.
Jusqu'au 1er novembre 2026 les salons et les cuisines, les jardins et les écuries du château du domaine de Chaumont-sur-Loire se peuplent d'œuvres d'art contemporain. Elles et ils sont douze à exposer dans ce petit paradis. Un thème : le bleu. Une teinte que Chantal Colleu-Dumont, directrice du domaine et commissaire de la Saison d'art définit comme "cette couleur qui incite à ralentir, à regarder autrement". Revue, au fil d'une flânerie avec en contrebas la Loire qui apaise le paysage et l'Histoire qui influence ces artistes.
Le plasticien Pascal Convert peuple Chaumont depuis de nombreuses années avec de nombreuses œuvres. Sa bibliothèque de livres calcinés et cristallisés dans le verre est installée à la place de celle des Broglie détruite par incendie en 1957. Au sous-sol, ses souches de Verdun elles aussi brûlées et encrées de noir profond deviennent des souvenirs de la terrible Grande Guerre. Cette saison dans la tour, c'est Diane de Poitiers que Pascal Convert prend à témoin de l'Histoire. En 1559, à la mort de son époux le roi Henri II, Catherine de Médicis cède le château de Chaumont-sur-Loire à sa grande rivale Diane de Poitiers, contre celui de Chenonceau. Le passé éclairant le présent, Pascal Convert nous dit : "On n'est pas aveugles sur les désastres du monde, les désastres de la guerre, mais il faut quand même aller du côté du vivant. Ici, c'est un lieu qui permet ça. De toute façon quand on voit Diane de Poitiers et Catherine de Médicis, ce sont des personnages tout à fait extraordinaires, qui ont laissé une marque dans ces murs."
Avec des cloches en bronze poli, des crins de queue-de-cheval, il raconte la Diane chasseresse. Il crée une chapelle dans ce bas-fond du château et rappelle une curieuse légende. Elle buvait quotidiennement de l'or espérant cette éternelle jeunesse. À sa mort, ses longs cheveux recelaient d'un taux 500 fois supérieur à la moyenne. On ne saura jamais si lors d'une partie de chasse sa chute de cheval fut mortelle ou si l'or eut raison de son organisme. Croyance et immortalité sont deux mots qui vont toujours bien ensemble... Pour le pire parfois.
Pascal Convert déclare à franceinfo Culture devant son œuvre : "Il y a des fantômes ici. Mais il y a aussi de la renaissance. Exactement. C'est ce que je vais chercher, la renaissance. Il y a une nouvelle vie. Par cette œuvre entre les cloches, les chevaux, trop d'or, et l'éternité, on dirait une forme de constellation."
On l'aperçoit de loin. Elle trône au fond des anciennes écuries. Pascal Sabatté nous confie ses secrets de fabrication pour arriver à cette silhouette élancée, fragile et à la fois guetteuse et pour créer cette matière étrange : "C'est un mélange qui s'apparente à du ciment romain, c'est-à-dire un mélange de chaux et de pouzzolane, une poussière volcanique. Celle-ci vient d'Auvergne et c'est un mélange qui a la particularité de durcir comme du ciment et d'être très très durable dans le temps. On a des édifices au roman qui sont encore en place depuis 2000 ans. Moi je ne pense pas avoir la recette exacte du ciment romain parce que ça reste un mystère". Autant souhaiter à la chouette de Sabatté cette longévité.
Il faudra au visiteur le temps de faire le tour de la sculpture, presque de flâner au son des oiseaux qui piaillent sous ce toit pour apercevoir les grands arbres qui se dessinent au-dessus. Et pour comprendre la démarche de Sabatté, qui a travaillé in situ pour sculpter sa chouette, qu'il résume ainsi : "Ici, il ne faut pas se louper, Il y a la nature, les jardins et les grands arbres qui nous accompagnent. Ils sont magnifiques et nous relient à un autre temps."
Les arbres, toujours les arbres, inspirent dans le parc. La sculpture se nomme Rezilientia : une souche de séquoia qui semble brûlée et une hache en bronze plantée au sommet ; surprenant, le manche de la hache redevient une branche aux feuilles d'or. C'est une nouvelle version d'une réalisation que Ghyslain Bertholon poursuit depuis le confinement. Il racontait à l'époque au magazine Peperenews : "On voyait la nature revivre, on voyait les animaux revenir". La domination et la destruction de la nature depuis la révolution industrielle tracassent le sculpteur mais il veut voir dans cette repousse fleurie du manche de la hache destructrice cette notion de résilience.
Tout autour, les œuvres pérennes du parc se distinguent. La grotte "folie" d'Eva Jospin cachée par les futaies, la gueule dévorante de Barceló qui intimide les enfants, la main en bronze enserrant un tronc de Penone ou les barques verticales du Ghanaen El Anatsui. En tout, plus de 30 réalisations transformant le parc en jardin d'art.
Evi Keller est allemande et avec ses six très grand formats nommés Matière-Lumière, le bleu explose. Elle écrit : "C'est l'or bleu des soleils de feu dans le ciel étoilé de la nuit, qui nous relie aux premières secondes de l'univers". Dans la fraîche et printanière galerie Agnés Varda, ces toiles de 220 cm sur 190 cm aspirent le spectateur. Captivé, presque capturé par ce bleu, le regard ne peut s'évader. Paradoxalement le plastique, ce dérivé d'un progrès d'antan qui aujourd’hui devient pollution, est son support. "L’artiste associe entre autres des pigments, des minéraux, végétaux, de la cendre, de l’encre, du vernis sur de fines couches de films transparents qu’elle superpose, dessine, peint, grave, gratte, efface, sculpte et quelques fois les brûle, les expose aux rayons du soleil, à la pluie, au vent ou encore les recouvre de terre", est-il écrit sur le site de sa galerie Jeanne Bucher Jaeger.
Autre bleu, autre lieu. Dans les Galeries Hautes du Chateau, Marc Desgrandchamps a réuni un ensemble d'œuvres allant du milieu des années 1990 à aujourd'hui. Le peintre est un habitué de la représentation du paysage. Ni figuratif, ni abstrait et quand il est venu la première fois à Chaumont, il a vite senti la concurrence des panoramas depuis le haut du château.
Il déclare avec humour et humilité : "Si on regarde par les fenêtres des salles dans lesquelles nous sommes, on voit la Loire qui se déploie et c'est quelque chose de très très attirant. Et les tableaux, les peintures sont dans un état où elles peuvent entrer en résonance justement avec le mystère. Le mystère de beauté de ce lieu.".
Il poursuit que ce sont les arbres qui l'ont inspiré : "je n’étais pas submergé, j'étais plutôt stimulé par ce que j'avais vu et notamment par les arbres qui sont des espèces de sculptures naturelles dans le parc. De très très grands arbres avec des troncs qui se déploient, ainsi dans l'espace et qui sont extrêmement stimulants visuellement."
Le visiteur pénètre dans la galerie basse du fenil par un petit escalier. La salle est sombre et les grands formats éclairés soigneusement se détachent dans la pénombre. Astrid de la Forest est venue à Chaumont il y a quelques mois. Elle a dessiné les inévitables arbres, mais aussi les oiseaux. Une nuit dans sa chambre du château, elle a rêvé : "Je me transformais à la fois en arbre et en oiseau". Ainsi naît sa série Et les oiseaux rêvent aussi.
De délicates gravures, au carborandum pour les spécialistes. Les silhouettes des arbres solides et ancrés au sol sont le paysage du vol des oiseaux. Ses inspirations parviennent des mots, des écrivains et des livres. Astrid de la Forest dans le catalogue de son exposition cite Freud pour le rêve, Simone de Beauvoir pour l'émancipation et la belle formule de Virginia Woolf : pour elle ,la forêt et la nature sont "sa chambre à soi ".
Traversons la cour de la ferme et toujours en silence admirons les Altus/Stratus d'Anaïs Lelièvre. Le sol est tapissé de ses dessins. En marchant sur ce tapis, le visiteur hésite entre des champs de lave, des coquillages écrasés, des ruines ou des détails de murs antiques. Dans ces dessins immersifs, l'échelle a disparu. Au centre de la salle, la sculpture en grès rouge et émail, une céramique noire et blanche. Pour Anaïs Lelièvre, la céramique est venue de ses voyages en Islande. Et ce Gloc 21, c'est son titre, semble effectivement avoir été projeté par une éruption volcanique avant d'être redessiné, sculpté et enfourné dans le four de l'Ensad de Limoges, la aussi avec délicatesse par l'artiste.
À ne pas rater, Claudio Parmiggiani et ses impressionnantes traces de bibliothèques brûlées, Eugène Dodeigne, immense sculpteur et ses puissants fusains, et les délicats cocons Levedades de Antonio Crespo Foix.
Domaine de Chaumon-sur-Loire Centre d'art et de nature. Saison d'art 2026 jusqu'au 1er novembre 2026
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